Et un film sur la guerre du Vietnam, un! Sur une histoire pas vraiment originale, l'évasion d'un pilote américain tombé entre les mains des forces vietnamiennes lors d'une mission de bombardement au Laos. Pas de quoi s'exciter a priori, si ce n'est la signature à la réalisation, promesse d'un éclairage qui sortira des normes: Werner Herzog, le créateur (entre autres oeuvres) d'Aguirre et de Fitzcarraldo, aventures dans lesquelles la jungle passe de décor à acteur principal, comme on pourrait s'y attendre pour Rescue Dawn. En cerise sur le gâteau, une vedette hollywoodienne dans le haut du panier dans le rôle du pilote en question, Christian Bale, alors entre deux Batman*. Alors, le mélange Herzog-Hollywood, ça prend?

Le sujet en question, Herzog le connaît déjà bien: il a tourné en 1997 un documentaire intitulé Little Dieters Needs to Fly, dans lequel il racontait l'épopée de Dieter Dengler, pilote US d'origine allemande capturé au Laos en 1966.

Rescue Dawn reprend cette aventure, pose des visages sur les noms, des images sur les mots.

Ici, Dieter Dengler, c'est Christian Bale, qui perdra un nombre de kilos impressionnant au fil de l'intrigue. Abattu dès sa première mission au-dessus du Laos, il est rapidement capturé, et après de sommaires mais efficaces tortures, envoyé dans un petit camp perdu dans la jungle.

Il trouve là quelques prisonniers faméliques qui ont tous perdu au moins en partie la raison. Plus débrouillard et dans un meilleur état moral et physique que ses co-détenus, il les pousse à monter une évasion contre des gardiens intraitables et dans un environnement terriblement hostile.

L'intrigue en elle-même est classique. Son intérêt réside essentiellement dans le fait qu'elle est basée sur une histoire vraie - même si on y sent la patte des scénaristes made in Hollywood. Elle contient donc des éléments, des détails qui la rendent plus vraisemblable, voire véridique que la plupart des films de second ordre sur le sujet.
S'ajoute à ce matériau de qualité initial le regard d'Herzog. Le réalisateur allemand s'intéresse bien plus aux hommes et à la nature - et pas forcément dans cet ordre-là - qu'à la politique. Aussi, pas de lecture stratégique ou de babillage sur les torts des uns et des autres. Herzog pénètre au coeur des hommes par l'intermédiaire des relations d'individu à individu, et grâce à ce regard réussit à transmettre la folie créée par l'enfermement et les privations à l'écran.

Notons à ce sujet les interprétations remarquables des camarades de Bale, parmi lesquels Steve Zahn (qui joue Duane) et Jeremy Davies (Gene), qui concrétisent l'état de délire semi-permanent dans lequel baignent les prisonniers.

La jungle est omni-présente, mais n'envahit l'écran que dans la dernière partie de Rescue Dawn, pendant l'évasion proprement dite. Magnifiquement filmée - on retrouve là le rythme et l'ambiance de certains passages d'Aguirre par exemple; on pense également à The Thin Red Line [La Ligne rouge] de Malick - comme Herzog sait le faire.

Reste que ce basculement plus fidèle aux fondamentaux du réalisateur déstabilise le film en l'entraînant vers le genre dit "d'auteur" à partir d'une trame qui suivait jusqu'alors un fil plus hollywoodien.

L'équilibre entre un traitement destiné à un public américain "mainstream" et un plus personnel, et qui jusque-là restait dans l'ombre se rompt au profit du second - à mon avis plus intéressant, bien que cette rupture soit déstabilisante.

Le final marque malheureusement un nouveau virage, cette fois-ci vers le style hollywoodien. Un changement de style compréhensible intellectuellement - désamorçage de possible récupération politique et insistance sur la libération de Dieter - mais à nouveau déstabilisant parce qu'on se dirige là encore vers une réécriture dans la pure tradition américaine.

Cette valse-hésitation entre plusieurs genres nuit hélas à l'unité du tout. Il faut savoir choisir!

* Batman Begins (2005) et The Dark Knight: le Chevalier noir (2008)

Note: 12,5/20

Disney fait souvent dans le clinquant - on ne lésine pas sur les moyens - , toujours dans l'aseptisé - pas de sang, pas de sexe, les méchants seront punis et les gentils récompensés. De ce côté-là au moins, The Sorcerer's Apprentice [L'Apprenti Sorcier] ne décevra pas. Pas de surprise, les règles y sont suivies, et s'en plaindre procèderait de la mauvaise foi, même si le politiquement correct fait grincer. Pour compenser, effets spéciaux à la queue-leu-leu, comédiens réputés, Nicolas Cage en tête, humour et magie... et pourtant le film n'arrive pas à accrocher. Alors, Mickey, tu as perdu ta formule magique?

Il faut déjà dire que l'histoire ne commence pas simplement. Un petit résumé introductif nous présente les trois disciples de Merlin, le gentil Balthazar (Nicolas Cage), la gentille Veronica (Monica Bellucci eh oui) et le méchant Maxim Horvath (Alfred Molina, qu'on avait déjà remarqué dans   Prince of Persia: Sands of Time)

A la suite d'un combat homérique, Véronica et Morgana, la némésis de Merlin (méchante donc), ont été enfermées dans une même poupée russe en attendant le prochain magicien qui pourra éliminer ladite Morgana pour toujours.

Ca aurait pu faire un film en soi, c'est expédié en quelques minutes avec voix off à l'appui parce qu'il faut vite un héros jeune et fringant pour accrocher le public Disney. Logique marketing imparable mais aux conséquences néfastes sur la légèreté du propos.

Ce jeune héros, ce sera Dave (Jay Baruchel), qui va découvrir dans cette aventure la magie, son mentor Balthazar, un destin fabuleux, et au passage l'amour en la personne de Becky Barnes (Teresa Palmer), béguin d'enfance contrarié.

Un copain/ faire-valoir noir (quota oblige sans doute) de Dave fait quelques apparitions sans intérêt avant de disparaître sans plus d'explication.

A partir de là, vous devinerez sans peine le reste de l'intrigue à quelques fioritures prêt, et ne vous tromperez malheureusement pas.

Si les trucages et effets spéciaux sont bien maîtrisés, on ne saurait en dire autant des comédiens - il est vrai mal servis par un scénario sans surprise et souvent peu cohérent.

Mis à part Molina, qui remplit correctement le personnage d'un méchant excentrique, Cage est assez plat, Baruchel joue un nerd peu convaincant à la voix in-sup-por-table (enfin en vo) et Palmer reste inexploitée dans le rôle de "love interest".

Résultat, l'aventure devient un enchaînement d'effets spéciaux tentant d'égayer l'attente des trop rares interventions du méchant.

Quelques clins d'oeils humoristiques éclairent malgré tout le tableau, notamment un remake de la scène du nettoyage de la maison par Mickey apprenti sorcier dans Fantasia.

Des pépites semées trop parcimonieusement hélas pour amener l'intérêt à un niveau satisfaisant. 150 millions de dollars quand même...

Note: 10,5/20

Dix ans de vie en couple, c'est un anniversaire, ça peut aussi être un cap difficile à passer. Dans Two for the Road, Stanley Donen, le réalisateur de Singin' in the Rain, fait traverser à un couple modèle incarné par Audrey Hepburn et Albert Finney cette décade de rencontres, de joies et de complicité, mais aussi de disputes et de fossés qui se creusent. L'amour sera-t-il le plus fort?

Joanna (Audrey Hepburn) et Mark Wallace (Albert Finney) sont mariés, ont une petite fille, et ne s'entendent plus du tout, même s'ils doivent se rendre ensemble dans le sud de la France pour l'inauguration d'une maison dont Mark est l'architecte.

Cette route, ils l'ont souvent parcourue. C'est même là qu'ils se sont rencontrés, dix ans plus tôt. Mark avait perdu son passeport, Joanna l'avait trouvé, et ils avaient suivi le même chemin pour finir par ne plus se quitter.

Retracer cette voie est l'occasion pour le couple de revivre cette rencontre d'abord, mais aussi les autres voyages qu'ils y ont faits: avant la naissance de leur fille. Après. Leurs aventures. Leurs rencontres.

Peu à peu les flashbacks s'accumulent, se croisent et se recroisent, toujours sur cette même route, pour tisser l'histoire d'un couple banal et attachant justement parce que banal.

Finney joue le type de l'homme-enfant, immature, impulsif, qui refuse de grandir et de perdre sa liberté. Audrey Hepburn incarne avec son charme habituel la femme amoureuse, charmante, timide mais volontaire.

Les circonstances ont changé dans le couple, mais les lieux traversés sont les mêmes et réveillent les bons moments comme les blessures.

La route devient l'image de la vie dans ce trajet des côtes de la Manche aux plages de la Méditerranée, à travers une France des années 60 qui fleure bon la campagne: ses champs, ses villages et ses châteaux.

A mesure que le couple se rapproche de sa destination finale, les malentendus se précisent, le portrait s'affine, la situation s'explique.

Les circonstances charmantes qui avaient soudées le couple dans son premier voyage ne sont évidemment plus les mêmes. Les plaisirs qui ont soudé ces deux êtres étaient empreints d'une simplicité et d'une rigueur qui ont disparu. L'heure est à l'oppulence bourgeoise, à la lassitude, à l'ennui, à l'indifférence.

Les liens tissés sont-ils condamnés à disparaître, resteront-ils tels quels ou bien pourront-ils évoluer vers une compréhension différente mais tout aussi forte?

La réponse de Stanley Donen dans son analyse des rapports de ce couple en difficulté touche juste, et ce jusqu'à un dénouement savoureux.

L'originalité du film réside dans la superposition de tous ces voyages à des époques différentes sur un même trajet physique.

Le procédé est intellectuellement convaincant, mais pêche un peu dans sa réalisation, car on peut peiner à se repérer dans les différentes époques du couple Finney/ Hepburn. Difficile, il est vrai, de faire comprendre instantanément les divers flashbacks en restant réaliste. Le problème me semble le plus flagrant sur le personnage de Mark dans son premier voyage, où il tombe dans une caricature peu convaincante. Mais peut-être ces errements reflètent-ils les souvenirs des protagonistes.

Au final - et aidés par la musique d'Henri Mancini - ces défauts sont donc oubliés. Reste la peinture délicate et entraînante du trajet sentimental d'un couple sur dix ans. Amour, lassitude, disputes, réconciliations, amour... Un agréable programme où cette nostalgie des moments passés se mêle aujourd'hui à celle des paysages et des habitants de la France d'il y a cinquante ans.

Note: 14,5/20

A la lecture du synopsis - la lutte d'une ballerine pour obtenir et jouer le rôle de sa vie - j'imaginais une sorte de Showgirls, le malheureux flop de Verhoeven, transposé dans le milieu du ballet. C'était sans compter sans Darren Aronofsky, à qui l'on doit déjà notamment l'inoubliable Requiem for a Dream et le plus récent The Wrestler, et sans Natalie Portman, qui réalise là très certainement la meilleure performance d'une carrière pourtant déjà conséquente. Inclassable, prenant, perturbant, pathétique, noir et pourtant libérateur, Black Swan épuisera vos meilleurs qualificatifs.

L'intrigue d'abord: Nina (Natalie Portman) respire, mange, boit, dort, vit pour le ballet, sous le contrôle étouffant de sa mère Erica (Barbara Hershey)

La compagnie dans laquelle elle danse va monter le Lac des Cygnes et cherche son Odile/ Odette, une danseuse qui devra être  capable d'interpréter aussi parfaitement l'innocence et la pureté de la première que la sensualité et la perversité de la seconde. Le directeur de la compagnie, le tyrannique Thomas Leroy (Vincent Cassel), choisit Nina, tout en sachant qu'elle n'est pas prête psychologiquement pour le second rôle, celui d'Odette, le cygne noir.

S'engage alors pour Nina une course contre la montre, contre d'éventuelles rivales toujours à l'affût, contre les doutes de son directeur, contre elle-même, aussi et surtout, pendant que son équilibre mental se détériore peu à peu devant la pression.

Black Swan, présenté par certains comme un thriller, comme un drame psychologique, par d'autres comme un film fantastique - voire d'horreur -, conjugue effectivement ces genres et bien d'autres encore, grâce à la maîtrise complète d'Aronofsky, qui oriente tout vers la préparation d'un final percutant.

Maîtrise dans la technique, déjà admirable dans Requiem for a Dream dont on retrouve l'inspiration ici, qui associera le spectateur aux émotions de Nina dès les premières minutes (abondance de plans serrés par exemple). Qualité indispensable d'ailleurs si on veut jouer avec tant de miroirs que ça dans un film.

Maîtrise du sujet de ce milieu si particulier des ballets, visible dans les détails de la préparation des chaussons de danse comme dans l'organisation des scènes de répétition.

Maîtrise de la direction d'acteur, visible jusque dans les seconds rôles, parmi lesquels -excusez du peu - Wynona Ryder et Mila Kuni.

Maîtrise des effets spéciaux, où le hasard n'aura pas de place, pour organiser la montée progressive des doutes et du déséquilibre de la ballerine jusqu'au dénouement.

Quand celui-ci se déclenche, la spirale suivie par Nina arrache et balaie tout sur son passage pendant les vingt dernières minutes du film dans un maelström d'émotions aussi contradictoires qu'imprévisibles, toujours plus haut, toujours plus fort.

Tout ceci pourrait rester à l'état embryonnaire sans la prestation de Natalie Portman, qui éclipse par sa présence des partenaires pourtant brillants - dont Vincent Cassel, parfait dans son rôle de directeur prêt à tout pour parvenir à ses fins.

Une difficulté que rencontrent les acteurs à ce niveau et à ce degré de notoriété est de parvenir à faire oublier leur passé, les vieux personnages qu'ils ont été et qui polluent l'appréhension du nouveau.

Ici, la question ne se pose pas: Portman disparaît, vive Nina la ballerine!

Oubliés The Other Boleyn Girl, V For Vendetta, My Blueberry Nights pour ne citer que certains de ses "vieux" exploits.

Et n'oublions pas la musique de Tchaïkovski, retravaillée ici par le partenaire habituel d'Aronofsky sur le sujet, Clint Mansell. Celle-ci enlace - au piano de répétition comme à l'orchestre - le spectateur presque sans interruption pour le mettre toujours plus en osmose avec Nina

Sur le fond, les thèmes variés abondent: on pourra relever l'artiste, son ego et sa soif d'absolu, les parents possessifs, le passage à l'âge adulte, les liens directeur artistique-artiste...sans oublier la mise en perspective avec le Lac des Cygnes proprement dit. De quoi alimenter bien des réflexions après tant d'émotions.

Pas de doute, après Black Swan, vous ne verrez et n'écouterez jamais plus le Lac des Cygnes comme avant.

Note: 18/20

 

 

 

Autres films de Darren Anorofsky chroniqués dans ce blog:

The Fountain (2006)

L'origine du mal est vraiment le sujet qui travaille Chan-Wook Park, le réalisateur de l'excellent Oldboy. Ce dernier est justement le second - et le plus connu - des volets d'une trilogie sur le thème de la vengeance, qui commence avec Sympathy for Mr. Vengeance*. Thriller captivant sorti en 2002, celui-ci révèlait déjà tout le talent qu'est capable d'afficher le cinématographe coréen.

Le jeune et sourd Ryu (Ha-kyun Shin), ouvrier dans une usine dirigée par le président Park (Kang-ho Song, le prêtre vampire de Bakjwi [Thirst, Ceci est mon sang]), se fait licencier.

Sa soeur est malade et a besoin d'un rein. Malheureusement celui de son frère n'est pas compatible, et Ryu décide de s'adresser à des trafiquants d'organes qui en fait lui volent un de ses reins et son argent. Désespéré, il décide alors avec son amie Cha Yeong-Mi (Doona Bae) d'enlever pour quelques jours la toute jeune fille de Park afin d'obtenir une petite rançon qui permettra de payer l'opération de sa soeur.

Mais n'allons pas plus loin dans l'intrigue, une partie de l'intérêt du film résidant dans ses développements - et pour vous rassurer sur ce point, des développements il y en a.

Car Chan-Wook Park, comme de coutume, ne mégotte pas sur la forme comme sur le fond. Tout ce qui sert l'intrigue et permet d'approfondir les caractères des personnages est montré, représenté, disséqué, exploré avec l'hyper-réalisme caractéristique de ce cinéma coréen qui n'en finit pas de monter.

Dans ce rythme qui prend son temps, le jeu des acteurs fait passer à merveille toutes les émotions qui traversent les sanglantes et infortunées trajectoires des protagonistes, au besoin dans de longues scènes sans paroles mais jamais gratuites. Amitié, amour, haine, compassion, indifférence, bonheur, tristesse, désespoir... le spectateur prend tout en plein visage pour le meilleur et pour le pire.

Car cette fois les héros ne sont pas des monstres froids et sanguinaires, comme le Kyung-Chul du Akmareul boatda [I saw the Devil/ J'ai rencontré le diable] de Ji-Woon Kim par exemple, mais des hommes et des femmes à l'origine ordinaires, plutôt faibles, honnêtes, inoffensifs, bref le vous et moi du spectateur lambda.

Ce sont les épreuves, les mensonges, les tortures qui les feront peu à peu évoluer pour leur faire accomplir ce qu'ils n'auraient jamais envisagé, pour accompagner ce même spectateur lambda sur des territoires qu'il aurait - et aura - du mal à visiter.

Evidemment le réalisme qui accompagne cette plongée dans une spirale destructrice où le sang appelle le sang, facilite l'expression d'une violence souvent insoutenable. Chan-Wook Park ne prend pas de gants. Et même si cette crudité facilite l'émergence de véritables moments de poésie dans des passages des plus improbables (pour ceux qui auraient vu Sympathy for Mr. Vengeance, je n'évoquerai que la scène de l'ascenseur, petit bijou de cinéma de deux minutes tout au plus), le film n'est pas à conseiller aux célèbres "âmes sensibles".

Résultat de cet impitoyable voyage: sous les coups du destin, des drames, sous le poids du sang et de toute cette violence sourde ou explosive, c'est selon, avec cette vie qui persiste à vouloir exister en dépit de tout, au milieu de ces personnages si attachants parce que si humains, le spectateur est brinquebalé entre des émotions violentes et contradictoires qui le laissent au bout du compte lessivé, exsangue - étourdi. Et pensif.

Une expérience que trop peu de films sont capables de procurer.

Note:16,5/20

* le dernier volet en est Chinjeolhan geumjassi [Lady Vengeance] (2005), dont nous parlerons dans une future chronique

Autres films de Chan-Wook Park chroniqués dans ce blog:

Bakjwi [Thirst, Ceci est mon sang] (2009)

Chinjeolhan geumjassi [Lady Vengeance] (2005)

Gongdong gyeongbi guyeok JSA [Joint Security Area] (2000)