La prostitution des adolescents est un sujet difficile. Souvent assimilée au trafic d'enfants, elle finit fréquemment traitée sous l'angle du maniaque ou du pédophile, assortie de considérations moralistes ou apitoyantes plus ou moins sincères assises sur des images racoleuses. Ki-duk Kim (Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom [Printemps, été, automne, hiver... et printemps])  s'empare de ce thème avec le détachement qui le caractérise dans Samaria, original thriller psychologique aux mille et une facettes, loin de toute idée reçue, loin aussi de tout ce que vous aurez pu voir sur le sujet.

Samaria est structuré en trois parties.

Dans la première, Vasumitra, deux lycéennes, Jae-yeong (Yea-reum Han) et Yeo-jin (Ji-min Kwak), ont un but dans la vie, se rendre en Europe, et donc s'acheter deux billets d'avion. Pour y arriver, elles ont un arrangement original: Jae-yeong se prostitue auprès d'hommes auprès desquels Yeo-jin sert d'intermédiaire, les contactant par internet, téléphone, mettant au point les rendez-vous et surveillant l'endroit où se passe la rencontre.

Les attitudes des deux jeunes filles, par ailleurs les meilleures amies du monde, vis-à-vis de cette "occupation", sont radicalement opposées. Jae-yeong, lumineuse, candide, aime ce qu'elle fait et s'identifie à Vasumitra, prostituée de légende dont les rapports transformaient les clients en bouddhistes modèles. Elle ne voit que la bonté dans l'apport d'affection à ses clients. Yeo-jin, elle, plus sombre, trouve ces hommes répugnants et ne cache pas le dégoût - et probablement la jalousie - qu'ils lui inspirent.

Les rencontres s'enchaînent jusqu'au jour où la police coince Jae-yong qui choisit de se défenestrer avec un visage illuminé, ravi.

Dans la deuxième partie du film (intitulée Samaria), Yeo-jin, livrée à elle-même, décide de revoir tous les clients de Jae-yong et de les rembourser (!) Ce faisant, elle prend la place de Yeo-jin auprès d'eux, une manière de la garder dans ses souvenirs et de découvrir ce qu'elle refusait jusqu'alors, ce don de soi qui était devenu la vie de son amie. Elle évolue ainsi pour se rapprocher mentalement de son amie, et gagne de cette aura de bonheur qui se dégageait d'elle.

Le père de Yo-jin, un policier veuf qui régale chaque jour sa fille d'histoires religieuses - chrétiennes - édifiantes, découvre par hasard ces rencontres, et alors rien ne va plus...

Dans la troisième partie, Sonata, le père et sa fille tente de se retrouver au-delà des drames et de leurs différences.

Comme on peut le voir, le scénario de Samaria peut être jugé absurde, mais surtout très choquant. Le réalisateur aborde la psychologie de chaque personnage avec un réalisme et une ouverture d'esprit qui condamne dès le départ le politiquement correct: pas d'image d'épinal chez Ki-duk Kim.

Comment présenter un personnage qui considère que se prostituer ou avoir des relations sexuelles est un acte de bonté qui contribue à faire le bien? Car c'est cette logique que suit Jae-yong et que découvre Yeo-jin.

On pourrait interpréter l'histoire comme une tentative de légitimer cette prostitution naïve et pure, il n'en est rien.

Cette façon de voir les choses n'est en effet pas du tout l'optique initiale des clients, pourtant quelquefois émus  par la "grâce" de la samaritaine.

Ki-duk Kim élargit considérablement la réflexion grâce à l'introduction du personnage du père, avec lequel arrivent la société avec sa réalité, ses prédateurs, ses jugements sur les autres et sur soi.

L'innocence réelle et contagieuse des adolescentes - qui fait sans doute une grande part de leur charme - est alors placée face aux adultes qui jugent et détruisent par leur regard même. La connaissance fait s'écrouler le jardin d'Eden.

Des scènes particulièrement fortes déclinent l'impact d'une vision objective et insupportable provoquée par le père. Les clients se trouvent alors cruellement mis à nu devant leurs actions dans un monde qui n'est plus l'univers candide où ils rencontraient leur samaritaine, mais celui, implacable, d'une société avec ses normes, sa morale, ses tabous.

Le personnage de ce père pieux et droit n'est pas le moins intéressant quand il se trouve confronté au bafouement de ses valeurs les plus profondes par sa fille. A quoi, à qui doit-il s'en prendre? A elle? A lui? A ses clients? La dernière proposition est bien entendu la plus facile, mais ne l'est-elle pas trop?

Quand à la troisième partie, c'est la cerise sur le gâteau. Elle conclue l'histoire, développe les affres des uns et des autres et tente une difficile et improbable réconciliation familiale dans un final saisissant. Car selon Ki-duk Kim, la difficulté de communication inter-générationnelle, omniprésente en filigrane, est l'une des clés du "problème", qui de ce fait s'annonce comme incontournable.

Le ton colle à ce que l'on connait maintenant du cinéma coréen. Le réalisateur  n'hésite donc pas devant la violence physique comme mentale et le gore. Par contre, il évite intelligemment (et contrairement à ce que laissent supposer certaines affiches du film) les scènes de sexe qui auraient fait sombrer le film dans le glauque et le racoleur.

La bande-son bien assortie comprend des remakes de musiques occidentales connues, "à l'asiatique".

Tourné en une dizaine de jours (un exploit pour un film de plus de 95 minutes, un miracle pour un film de cette qualité), Samaria est donc un film de plus de Ki-duk Kim à ne pas manquer!

Note: 14/20

Zack Snyder restait jusqu'ici l'homme des remakes et adaptations réussis (Dawn of the Dead [L'armée des morts], Watchmen) ou ratés (300), mais jusqu'ici n'avait pas mis la main à la pâte scénaristique. C'est aujourd'hui chose faite avec sa dernière réalisation, Sucker Punch, mélange original et très travaillé de plusieurs tendances du cinéma pour ados actuel: jeux vidéos, effets spéciaux à outrance, bande dessinée tendance manga, univers fantastiques et clippesques (?), jeunes filles en mini-jupes et bas résille. Bref un melting pot qui a tout pour cliver l'audience en deux camps bien distincts, ceux qui détesteront, et ceux qui adoreront. Ceux qui sont dans la cible, et ceux qui n'y sont pas.

L'introduction part sur les chapeaux de roue, et laisse augurer d'un film prenant et magistral, une oeuvre d'art dans la lignée sombre et gothique des visuels de Tim Burton et de Sin City.

Baby Doll (Emmy Browning) vient de perdre sa mère, et se retrouve pour son malheur avec sa petite soeur sous le contrôle d'un beau-père (Gerard Plunkett) qui ne va pas tarder à leur faire leur affaire. La jeune fille tente de se rebeller, mais l'homme la fait arrêter et interner dans un hôpital psychiatrique où il soudoie le chef des gardes, Blue Jones (Oscar Isaac), qui promet qu' elle sera lobotomisée cinq jours plus tard.

Le passage accroche bien, l'esthétique y est poussée et raffinée, construite comme un clip sur fond d'une lancinante reprise de Sweet Dreams (are made of this) - l'hôpital a d'ailleurs été opportunément baptisé Lennox House -, les personnages sont bien plantés en quelques images efficaces. Si ça continue comme ça, Sucker Punch sera un régal.

Baby a donc cinq jours à vivre dans cet univers glauque avant d'être transformée en légume. Alors elle rêve, elle imagine, et elle tente - songe ou réalité? - de s'échapper.

Première étape, elle transforme le sinistre hôpital en maison close / cabaret dont Blue est le tenancier et le docteur Gorski (Carla Gugino, remarquée dans Watchmen et Sin City) la mère maquerelle.

Ensuite, ses camarades d'infortune, autres post-adolescentes enfermées qu'elle va convaincre de se joindre à sa tentative d'évasion, deviennent dans son esprit de jeunes prostituées dont les nom de guerre évoquent autant des danseuses de bars à strip-tease que des héroïnes de bandes dessinées et / ou de jeux vidéos: Sweet Pea (Abbie Cornish), sa soeur Rocket (Jena Malone), la brune Blondie (Vanessa Hudgens, la star des High School Musical) et l'asiatique Amber (Jamie Chung)

Choix de noms judicieux s'il en est, puisque dorénavant et jusqu'au dénouement, pour ce qui est du côté strip-tease, toutes ces jeunes "eye candies" seront affublées de tenues plus ou moins légères propices à tous les fantasmes - la gent masculine ne pourra qu'apprécier - et que côté jeux vidéos, l'intrigue se résumera à recueillir pièce après pièce les cinq objets qui permettront à la petite troupe de s'enfuir de leur prison devenue somptueux claque des années folles.

Récupérer chacun de ces objets, c'est se lancer à chaque fois dans une nouvelle mini-quête avec son univers propre, fantastique et chatoyant, mission dans laquelle s'illustrent les cinq drôles de dames conduites par un mystérieux Charlie, joué par Scott Glenn en l'occurence. Structure bien connue qui s'intégre dans les gènes même des geeks accoutumés à la résolution d'énigmes à la Final Fantasy et consort, et donc dans le b-a ba scénaristique, mais se révèle d'une triste indigence quand elle sert de seul fil conducteur sur 1h30 de film.

Bien sûr, on ne peut qu'applaudir aux exploits techniques de la ribambelle d'"artistes digitaux" capables de rendre réels ces mondes fantasmagoriques: zeppelins, biplans, triplans, samouraïs monstrueux aux yeux de feu, cathédrales en ruines, robots, dragons, orques et assimilés... un vrai bestiaire de l'anticipation et de l'héroïc fantasy qui prend vie.

La musique d'accompagnement très rock tranforme heureusement nombre de scènes et de missions en clips sur des reprises d'airs devenus mythiques (outre Sweet Dreams..., on remarquera aussi White Rabbit,  Björk, Queen)

Mais si tous les trucages, cascades, images, bref le côté technique est une grande réussite, celle-ci reste au service d'un scénario dont elle n'arrive pas à combler l'indigence, et finit a contrario par submerger les quelques reliefs qu'on aurait pu y dénicher. Tout ça pour ça?

Non, le prétexte des belles images et du grand spectacle n'interdit pas la profondeur du scénario. Snyder était déjà tombé dans le piège avec  300, il y replonge ici avec une maestria déconcertante.

Dommage.

Note: 11/20

Autres films de Zack Snyder chroniqués dans ce blog:

Dawn of the Dead (2004)

300  (2007)

Danny était un gentil petit garçon, c'est maintenant un chien méchant. Pourra-t-il regoûter l'innocence? Voilà l'idée originale développée dans Danny the Dog* cuvée 2005 de chez EuropaCorp, la société de production bessonienne. Une tête d'affiche exceptionnelle (Jet Li, Morgan Freeman), une intrigue traitée  dans le style qu'affectionne le réalisateur du grand bleu. Nouveau conte de fée des temps modernes? Mmmouais...

Comme dans la plupart des productions Besson, le scénario - de lui - repose sur une idée choc et originale, un homme élevé, traité et donc devenu terrible chien de combat, au service corps et âme d'un magnat de la pègre.

Jet Li est donc Danny, recueilli petit  garçon et transformé en machine de guerre par son "oncle" Bart (Bob Hoskins) Danny ne pense rien, ne ressent rien. Il vit dans une cage, avec pour seuls compagnons un nounours et un livre d'enfant. Activé seulement quand on lui retire son collier, il devient alors un tueur redoutable qui tape, étrangle, casse, broie les adversaires que Bart lui désigne.

La vie de Dannny aurait pu continuer sur cette lancée s'il n'avait croisé la route de Sam (Morgan Freeman), accordeur de piano aveugle et de sa fille de 18 ans Victoria (Kerry Condon - Rome,  The Last Station -, ici dans le rôle complètement improbable d'une jeune fille de 18 ans - on lui a rajouté des bagues aux dents tellement c'était peu crédible) Une rencontre qui va réveiller les souvenirs enfouis de Danny, et des sentiments peu compatibles avec son existence de chien de combat.

Besson nous avait fait la jolie jeune femme transformée en exécuteur-agent secret (Nikita), la petite fille et le nettoyeur (Leon), voici donc dans cette lignée l'homme-chien de guerre-petit garçon dans sa tête.

Idée donc inédite dans ses détails mais qui rejoint les thèmes apparemment chers à Besson, mènant à la confrontation d'une violence extrême avec un sentimentalisme, une naïveté, une innocence exacerbés.

Le contraste, toujours efficace, est exploité avec les remèdes habituels et clinquants, même si le réalisateur n'est pas Besson mais Louis Leterrier, l'homme des Transporteur et du dernier Clash of the Titans.

Chaque scène est ainsi alimentée de personnages dépourvus de toute ambigüité, et donc de profondeur. Ils sont soit bons soit mauvais. Pas d'entre-deux, même pour le héros, posé en victime quand il plonge dans la violence. Quel intérêt pour des acteurs aussi expérimentés que Morgan Freeman ou Jet Li de se plonger dans des personnages aussi linéaires et simplistes? Mystère.

Le symbolisme de la lutte entre paix et violence, bien et mal s'appuie sur des effets qui forcent encore le trait du manichéisme bessonien s'il en était besoin.

Grand-angle récurrent, climat calqué sur les tourments de Danny (tout va bien: il fait beau, tout va mal: c'est l'orage), combats d'une violence extrême: le spectateur a droit à toute la batterie habituelle, techniquement remarquable, utilisée à la perfection, mais manquant cruellement de subtilité. Toute la poésie qui aurait pu sourdre des rapports entre Danny et sa nouvelle famille adoptive sombre dans le gnangnan, écrasée par les gros sabots de la réalisation.

Dommage, le même sujet traité par un Chan-Wook Park ou un Joon-ho Bong aurait pu donner un chef-d'oeuvre.

* autre titre du film: Unleashed

Note: 10/20

Depuis 1953, la Corée est divisée en deux. Un profond déchirement pour beaucoup de coréens, matérialisé par une zone tampon, la DMZ (zone démilitarisée) bien connue pour son no man's land, ses mines, ses haut-parleurs hurleurs de propagande, la tension permanente qui y règne. Au coeur de la DMZ se trouve la JSA ou Joint Security Area, un endroit unique où les troupes des deux camps se trouvent tous les jours au contact - ou plus exactement à quelques mètres les uns des autres. C'est dans ce lieu hautement symbolique que se déroule l'action de Gondong gyeongbi guyeok ou JSA, le film qui fit émerger le maintenant célèbre Chan-Wook Park*. Un long-métrage avec suspense, action, meurtre, politique internationale, et une vraie émotion qu'on retrouve rarement mêlée aux premiers, sinon justement dans les oeuvres de ce cinéaste.

Sophie Jean, jeune officier suisse d'origine coréenne (Yeong-ae Lee) est envoyée en Corée pour mener une enquête sur un incident sanglant qui s'est produit une nuit au coeur de la Joint Security Area, le "pont dont on ne revient pas", un des endroits potentiellement les plus explosifs au monde.

Un soldat et un officier nord-coréens abattus, un sergent nord-coréen blessé à l'épaule (Kang-Ho Song, toujours aussi juste et qu'on a déjà apprécié dans Memories of Murder et  Thirst entre autres), un sergent sud-coréen également blessé (Byung-hun Lee, aujourd'hui également devenu une vedette coréenne de stature internationale, et qu'on retrouvera bientôt dans I Saw the Devil), un revolver et 16 balles tirées pour un chargeur qui peut en contenir 15...

La version officielle veut que cette nuit-là, le sud-coréen se soit fait enlever au Nord et se soit échappé en tuant deux de ses kidnappeurs. Cette histoire ne convainc pas Sophie, qui poursuit donc son enquête dans cette poudrière.

Chan-Wook Park a opté dans ce film pour une construction un peu bancale en commençant par une longue introduction à l'enquête. Le rythme de la première demi-heure pâtit de ce choix comme de la qualité moyenne des scènes tournées en anglais, au point de frôler le ton de la série judiciaro-militaire américaine JAG de temps à autre.

Une musique très "film d'enquête hollywoodien", des acteurs rigides à l'anglais très approximatifs, une action entravée par le cérémonial omniprésent qui s'est mise en place sur les cinquante dernières années pour que cette zone ne se transforme pas en champ de bataille à chaque opportunité d'affrontement... l'ennui s'installe. Peut-être fallait-il cela pour transmettre le cadre inhumain totalement  automatisé de la DMZ, mais le résultat n'est pas probant.

Le film décolle heureusement avec la recréation des évènements sur lesquels porte l'enquête. A mesure que celle-ci progresse, les versions données par les uns et les autres rapprochent le spectateur de la vérité et sont relatées par flashbacks successifs.

Le centre de l'action et de l'intérêt se transfère donc rapidement du suspense autour du dénouement de l'histoire - dont on saisit en fait très rapidement les grandes lignes - à l'évolution des liens entre les différents personnages du drame, où Chan-Wook Park peut donner toute sa mesure.

Joint Security Area dépasse alors le whodunnit classique pour se concentrer sur les émotions bien humaines tissées par les soldats envers et contre toutes leurs consignes. Appuyé sur les interprétations toutes en subtilité des quatre acteurs principaux, sur des images et des paysages magnifiques aussi, le film vire pour le meilleur dans les registres psychologique et, plus exceptionnel chez Park, politique.

Dans cette seconde partie, le réalisateur anime les situations à la perfection en jouant, comme il le fera dans ses futures oeuvres, sur une palette très variée - et éventuellement déconcertante pour un tel sujet - d'émotions: peur, rire, plaisir, angoisse. La maîtrise de la caméra et du tempo - on retrouve par moment les qualités d'association image/musique du générique de Lady Vengeance - est impressionnante.

Côté politique, loin de toute propagande mais sans l'ignorer, traitant les deux camps sans a priori, le cinéaste décrit à travers ses personnages un simple état de fait, la triste situation dans laquelle se trouve son pays. Pas de lavage de cerveau donc, mais un constat à partir duquel le réalisateur pose avec intelligence les questions que les responsables devraient se poser après plus d'un demi-siècle de postures stériles.

Le contexte est plus fort si l'on connaît ou que l'on compatit à l'histoire de la Corée moderne. JSA est certainement encore plus émouvant pour ses habitants, dont les familles ont souvent été déchirées dans cette guerre, et chez qui la réunification reste un sujet très sensible.

Mais même sans avoir à plonger dans les détails du conflit coréen, Chan-Wook Park produit avec JSA un film aussi prenant que pertinent.

La scène finale est une apothéose. Exceptionnelle, à partir d'une simple photo, elle condense en quelques secondes toutes les émotions qui ont traversé le film. Une leçon.

* Old Boy,  Sympathy for Mr. Vengeance, Thirst...

Note: 15/20

Vous vous rappelez certainement The Exorcist [L'exorciste] de William Friedkin, un film qui a fait date et qui reste un hit près de quarante ans plus tard. Un film qui a donc engendré une ribambelle de dérivés et de copies plus ou moins réussies, parmi lesquelles les dernières en date, The Exorcism of Emily Rose et Dominion: Prequel to the Exorcist rien que pour 2005. Alors quoi de neuf cette année du côté du diable? Eh bien c'est The Rite, avec rien moins qu'Anthony Perkins, réalisé par le Mikael Hafström de 1408 [Chambre 1408], un gage donc pour ce qui est des thrillers axés horreur/ fantastique, au moins sur le papier. Un film bourré de références à son modèle qui tente une incursion du côté du réalisme et de la nature de la foi, ce qui l'éloigne du même coup des côtés horrifiques de celui-ci.

The Rite débute d'ailleurs de la même manière que The Exorcist, un écran qui affirme que ce qui va suivre est "inspiré d'une histoire vraie". Evidemment, ça ne veut absolument rien dire, quelle est la part de vérité, quelle est celle d'inspiration, on restera dans le flou jusqu'au bout, mais cette fois, le film part résolument vers un réalisme prometteur, loin de toute diablerie.

Une réflexion sur la vocation de prêtre et la foi s'amorce, appuyée sur le parcours de Michael Novak (Colin O'Donoghue), propulsé séminariste plus par tradition familiale que par inclination personnelle. Un père autoritaire (Rudger Hauer, trop peu à l'écran), une mère disparue trop tôt, un milieu baignant dans la mort - le père est thanatopracteur... Bref peu d'opportunités d'épouissement pour un petit garçon livré à lui-même et à ses questions.

Michael est donc sur le point d'abandonner la voie vers la prêtrise quand son supérieur l'envoie à Rome pour une formation sur l'exorcisme.

C'est là, après avoir eu l'occasion d'exprimer ses doutes, qu'il rencontre le père Trevant (Anthony Hopkins), jésuite gallois qui pratique l'exorcisme au quotidien. C'est là aussi que le film change de ton et tente de déraper vers le fantastique avec l'introduction progressive de divers possédés et autres démons - enfin diront ceux qui auront attendu du surnaturel "sérieux" pendant une petite heure sans grand'chose à se mettre sous la dent.

"Tente" de déraper, parce qu'il est difficile de changer de ton avec succès au beau milieu d'un film.

Parti dans une réflexion existentielle pertinente et assumée sur la foi et le doute, The Rite bascule donc néanmoins du drame psychologique vers le thriller démoniaque avec des effets spéciaux de plus en plus affirmés, de plus en plus présents, de plus en plus - osons le mot - hollywoodiens.

Une première possédée (Marta Gastini, transfigurée pour l'occasion), un deuxième possédé, un premier démon... on se bouscule au portillon. Une ravissante journaliste italienne, Angeline (Alice Braga), qui n'aura d'autre fonction dans l'histoire que celle de "témoin-reporter", assiste aux expéditions du duo Novak-Trevant jusqu'à un final un peu trop prévisible.

Alors bien sûr, les interprétations sont bonnes. Anthony Hopkins livre une fois de plus un numéro époustouflant de personnage ambivalent et éclipse la plupart de ses petits camarades.

La qualité technique est également à la hauteur, du début à la fin du film. Les images sont parfaites - les scènes de pluie impressionnantes -, le cadrage impeccable, l'Italie un peu caricaturale mais éternelle.

Mais toutes ces qualités ne suffisent hélas pas au final à hisser The Rite à la hauteur de son original. Et ce n'est pas les clins d'oeil récurrents à celui-ci qui l'y aident.

Film sur la vocation et la foi, ou thriller horrifique? Le générique de fin lancé, on ne sait plus très bien si on est dans la réflexion ou le divertissement pur, dans le rêve ou dans le réel, tant les couleurs ont évolué dans cette intrigue. Un verre à moitié plein pour les fans de l'un comme de l'autre genre.

Pour les autres, ceux qui se laissent porter, le virage entre les passages psychologique et fantastique du film restera très serré. Trop serré pour ne pas sortir de la route.

Note: 12/20