En voilà une belle affiche! Pour son avant-dernier film - et son premier en couleurs -, le célèbre réalisateur japonais Kenji Mizoguchi avait choisi de s'attaquer à une épopée du japonais médiévale, le conte des Heike. Celui-ci décrit l'ascension et la chute de ce clan (aussi appelé Taira), dont l'un des membres, Kiyomori, établira au XIIème siècle le premier gouvernement dominé par la classe des samouraïs au Japon. L'épopée est conséquente non seulement par son importance historique, mais aussi par sa taille. Mizoguchi ne s'attaque donc ici qu'à son introduction. Le propos est essentiellement historique et politique, une direction originale pour un réalisateur plus accoutumé à la description des relations interpersonnelles qu'aux rivalités de clans. Shin heike monogatori  décrit donc les circonstances dans la réflexion et l'action qui mèneront à la construction d'un point de rupture: celui du basculement d'une société corrompue, en bout de course, vers un nouvel ordre plus en adéquation avec les valeurs du moment, plus aux prises avec la réalité, celui des samouraïs.

Quand le capitaine Taira no Tadamori (Ichijirô Oya) revient d'une expédition victorieuse contre les pirates de l'Ouest avec son fils Kiyomori (Raizô Ichikawa), sa réception n'est pas vraiment triomphale, malgré la reconnaissance de la population. Les courtisans ont en effet décidé qu'il ne fallait surtout ne rien lui accorder de peur de renforcer son orgueil supposé, et se font donc un devoir de le battre froid.

Il se voit même bientôt contraint de mettre le nez dans la poussière devant un cortège de palanquins des moines Hiei, toujours plus puissants, toujours plus corrompus, toujours plus imbus d'eux-mêmes.

Si Tadamori reste stoïque devant ces humiliations, sa femme Yassuko (Michiyo Kogure), ancienne courtisane, méprise chez lui ce qu'elle interprète comme un manque de caractère et d'ambition.

Kiyomori aussi a du mal à ronger son frein face à ces vicissitudes, et les choses empirent quand il apprend par un marchand que des rumeurs courent sur son propre compte: il serait le fils naturel du défunt empereur Shirakawa.

Si Mizoguchi a l'habitude de mettre à nu les plis et les replis de l'âme humaine (comme dans Ugetsu monogatari [Les contes de la lune vague après la pluie] ou Sanshô dayu [L'intendant Sansho]), l'histoire du clan Taira, elle, est beaucoup plus axée sur la politique et la réalité historique japonaise.

Elle met en valeur l'arrivée au pouvoir de la caste des guerriers - les samouraïs - au détriment de la noblesse de cours et du clergé, dépassés et imbus de pouvoirs dont ils ont abusé, et qui ne représentent plus rien aux yeux du peuple.

La leçon était valable aux yeux du Japon des années 50, alors en pleine reconstruction et donc en besoin de rompre avec les autorités qui l'avaient mené au désastre, elle est encore d'actualité aujourd'hui.

Si le message est pertinent, il cadre mal par contre avec le cinéma de Mizoguchi, écartelé entre l'échelle humaine - où il excelle - et celle des masses.

Le personnage central de Kiyomori gagne certes en consistance avec ses questionnements sur sa naissance, son amour avec la jeune Tokiko (Yoshiko Kuga) ou ses relations avec ses parents, mais ces développements peinent à entrer en symbiose avec les évènements historiques qui forment le fond du film et dont les ficelles deviennent du coup trop apparentes.

La description de la société médiévale japonaise, très soignée, profite à plein de l'introduction de couleurs riches et fastueuses mais contraste aussi avec la subtilité habituelle des sentiments soulignés par Mizoguchi.

Le spectateur pris entre deux directions opposées - le grandiose et l'humain, l'écrasant et le léger - hésite donc sur la direction à suivre, et les nuances dans les émotions et les sentiments finissent malheureusement écrasées dans la bataille.

Peut-être une tentative de sa part de se porter vers le cinéma d'action ou à grand spectacle, Shin heike monogatari n'est donc pas l'un des meilleurs Mizoguchi, loin s'en faut. Très classique dans sa présentation, plus instructif et didactique qu'émouvant, il présente néanmoins une description intéressante des équilibres et déséquilibres politiques qui ont mené le Japon féodal vers le règne des seigneurs de la guerre.

Note: 12,5/20

Pour simplifier, le cinéma britannique après les Monty Python s'est résumé pour l'exportation aux comédies romantiques d'époque ou non (Four Weddings and a Funeral [Quatre mariages et un enterrement] et consorts). Puis vers la fin des années 90 surgit une série de films conjugant humour et subtilité british et violence réaliste: une exploitation culturelle de la pègre anglaise en quelque sorte, avec en fer de lance le célèbre Guy Ritchie (Lock, Stock and Two Smoking Barrels [Arnaque, Crimes et Botanique] en 1998, Snatch en 2000)* Producteur de ces deux films, un certain Matthew Vaughn. Ce n'est donc pas une surprise qu'au début de la carrière de réalisateur de ce dernier - maintenant en pleine explosion hollywoodienne avec  X-Men: First Class [X-Men: le commencement] - il y ait eu Layer Cake. Une troupe d'acteurs solides du cru y entoure Daniel Craig (le futur 007) sur un scénario explorant les charmes de la pègre et du trafic de drogue britanniques. Le style se veut percutant, similaire à celui de Ritchie, sans toutefois atteindre ses extrêmes. Bref un départ très honnête pour le futur réalisateur de  Kick-Ass.

Le héros (Daniel Craig), dont nous ne connaissons pas le nom, est un de ces truands sérieux dont l'ambition est de se faire un maximum d'argent avant de se retirer. Pour ce faire, le trafic de drogue s'impose comme la solution naturelle et la moins risquée, à condition bien sûr de ne pas faire d'histoires, et donc de conserver un profil bas et limiter ses contacts à un échantillon extrêmement réduit de personnes de confiance.

Bref XXXX est un petit malin qui veut réussir sans faire de vagues avant de s'esquiver à l'anglaise. Qui veut faire son petit business dans les zones d'ombre avant de bronzer au soleil. Qui veut le beurre et l'argent du beurre.

Hélas, son boss, Jimmy Price (Kenneth Cranham), ne l'entend pas de cette oreille, et lui confie deux missions qui vont rapidement déraper en mettant XXXX au contact de ceux qu'il a toujours tenté d'éviter: récupérer la fille droguée et perdue d'un de ses amis et confrères, et négocier la récupération d'un gros lot d'un million de pilules d'ecstasy auprès du Duke (Jamie Foreman), un branque qui doit se prendre doute pour Al Pacino dans Scarface.

XXXX se rend rapidement compte que ces missions sont deux pièges dont le seul objectif semble être de le faire disparaître de la surface de la terre, et voit ses ressources mises à forte contribution pour survivre.

L'intention du scénario, tiré d'un roman de J.J. Connolly, est de faire le portrait d'une société sur le modèle de "l'arbre à singes", multi-couches (d'où l'image du layer cake), où chaque étage souffre sous le poids des niveaux supérieurs en écrasant sans pitié les plus bas.

Et des étages, il y en a tellement qu'on a peine à suivre le grand nettoyage au cours duquel les obstacles - souvent des personnages - se succèdent sans souffler les uns après les autres.

Daniel Craig et son gang tiennent bien la barre pendant l'hécatombe, mais le scénario pêche par l'absence d'un némésis bien identifiable, le compensant par des surprises et des décrochements par rapport au déroulement attendu des intrigues. Si les britanniques sont friands de ces variations, leur profusion est tout de même déstabilisante.

Il ne faudra pas se plaindre si certains fils ne sont pas noués, si certaines boucles ne sont pas bouclées. Le film aurait aisément pu durer quelques dizaines de minutes supplémentaires.

Le style de la réalisation va donc dans l'efficace et l'indispensable: plans rapprochés et courts, entrelacement éventuel des séquences, rythme élevé: pas le temps de respirer.

L'ensemble est si fignolé, si dense qu'il prend parfois des airs de bande démo au détriment de l'intrigue, mais tient le spectateur en haleine au moins sur des qualités techniques irréprochables.

Le résultat final est donc inégal. Vaughn n'a pas alors encore trouvé son style propre, il colle celui du Ritchie de l'époque. Mais sans être un coup de maître, Layer Cake prépare habilement le terrain et plante des repères de confiance pour les sociétés de production en vue des réalisations suivantes - plus ambitieuses, plus originales - de Vaughn (Stardust et  Kick-Ass)

Note: 11,5/20

* D'autres réalisateurs de talents aussi bien sûr, comme Stewart Sugg avec son Kiss Kiss Bang Bang

X-Men: First Class [X-Men: Le commencement] (2011)

Kick-Ass (2010)

Prenez deux stars du moment, fournissez-leur deux personnages caricaturaux dans des directions diamétralement opposées, et coincez-les dans un ascenseur pour une destination si possible lointaine. Avec l'aide d'un bon réalisateur, vous obtiendrez le road movie - comédie classique, occasion de bien rigoler sur les travers de l'un et de l'autre, d'admirer de jolis paysages et de conclure sur une agréable et bien mielleuse leçon de tolérance mutuelle où chacun apprend à comprendre et aimer son voisin, aussi étrange soit-il. Dans Due Date, les deux stars sont Robert Downey Jr. (Natural Born Killers, Iron Man 2 ), qui incarnera l'homme normal-mais-un-peu-coincé sur lequel le spectateur sera prié de se calquer en priorité, et Zach Galifianakis, plus connu de ce côté de l'Atlantique pour son (ses) rôle(s) dans The Hangover [Very Bad Trip] (?), qui sera donc l'asocial insupportable-mais-fondamentalement-gentil. Le réalisateur, lui, sera Todd Philipps, étoile montante d'Hollywood spécialisée dans le domaine de la comédie trash avec justement The Hangover en question. Hélas, une recette maintes fois éprouvée n'est pas automatiquement cause de succès quand les ingrédients se limitent à des efforts de casting, comme le prouve cette Date limite.

Peter Highman (Robert Downey Jr.), architecte, doit rejoindre sa femme avant l'accouchement de cette dernière, prévu pour dans cinq jours à Los Angeles.

Rien n'entraverait son retour d'Atlanta si sa route ne croisait à l'aéroport de cette ville celle d'Ethan Tremblay (Zach Galifianakis), acteur en devenir, grand amateur de fumette et heureux propriétaire d'un petit chien masturbateur, qui prend immédiatement Peter en affection.

Première conséquence de cette rencontre imprévue, le tasing de l'architecte par un US marshall et l'inscription du duo sur la "no-fly list".

Les deux compères se retrouvent donc scotchés l'un à l'autre pour un voyage difficile mais plein de péripéties à travers les Etats-Unis par la route, l'un haïssant autant que possible l'autre, qui lui vouera une affection sans borne. Pour les besoins de l'intrigue on prétendra que Peter n'a pas d'autre moyen de rejoindre sa femme à temps pour l'accouchement.

Si le scénario de Due Date n'est pas sans rappeler (entre autres) celui de Planes, Trains and Automobiles [Un ticket pour deux] (1987), Todd Philipps n'est pas John Hugues, et l'alchimie subtile atteinte dans le film des années 80 se révèle difficile à répliquer avec les ingrédients très grossiers utilisés ici.

Plus lourds, plus épais, les gags exploitent les ficelles les plus épaisses dérivées de la personnalité d'Ethan.

Celle-ci se résumant à trois traits: son chien - masturbateur, on l'aura compris -, son père mort dont il trimbale les cendres dans une boîte de conserve, et son inclination au fumage de joint, on tourne rapidement en rond. Ces trois accessoires, gadgets devenus fils rouges, constituent toute l'armature du scénario et des plaisanteries qui le parsèment, et sont donc utilisés jusqu'à plus soif sans que la vraie nature d'Ethan soit en fait abordée.

A moins de projeter une énorme vague de sympathie sur le personnage, rien ne pousse à entrer en sympathie avec le personnage, et donc avec le film tout entier.

Quelques scènes furtives avec Juliette Lewis, qui devait avoir un trou dans son emploi du temps, ici transformée en dealeuse de shit mère au foyer, lancent l'intrigue pendant un petit quart d'heure dans une direction qui s'assèche aussitôt sans conclusion probante.

Et lorsque le film décolle enfin, quarante-cinq minutes plus tard, pour atteindre pour le niveau de délire qu'on attendait depuis un bon bout de temps, c'est trop tard, le pétard est mouillé et les carottes bien cuites.

Dommage, la distribution et notamment la présence de Robert Downey Jr. laissait augurer mieux, beaucoup mieux.

Note: 06/20

Les anglo-saxons seraient-ils en quête de leurs racines? La naissance de la Grande-Bretagne est à la mode - au moins là-bas. Sur le thème de la mystérieuse disparition de la neuvième légion dans les brumes du nord de la Grande-Bretagne, le récent The Eagle [L'aigle de la neuvième légion] avait été devancé l'année précédente par Centurion, réalisé par Neil Marshall. Même intrigue ou presque, mais un style très différent porté vers le film d'action avec sanglants combats à la clef, éventuellement au détriment de la vraisemblance historique. Personnage central du film, les paysages écossais, par contre, ne changent pas - ce serait dommage. Ils raviront les amateurs de grandes étendues désolées parsemées de neige en leur offrant un grand bol d'air frais et glacial, une distraction bienvenue face aux scènes de boucherie sans doute inspirées du néo-péplum qui aura lancé le revival du genre - on veut parler de Gladiator bien entendu.

Le centurion Quintus Dias (Michael Fassbender - Inglorious Basterds, X-Men: First Class [X-Men: Le commencement]) est le commandant en second d'un poste romain avancé au nord de la Grande-Bretagne occupée quand celui-ci est attaqué par les hommes de Gorlacon (Ulrich Thomsen), chef picte rebelle.

Seul survivant, Quintus est fait prisonnier et emmené en captivité avant de réussir à s'échapper.

Après une longue (?) poursuite, il est sauvé in extremis par la neuvième légion, menée par le général Titus Flavuis Virilus (Dominic West), un meneur d'hommes qui n'hésite pas à metter la main à la pâte et est adoré, voire vénéré par ses hommes. Celui-ci a été envoyé mater les rebelles et est guidé par une picte rénégate, Etain (Olga Kurylenko)

Poursuivant son chemin, la légion tombe quelques jours plus tard dans une gigantesque embuscade...

Le scénario suit donc l'itinéraire de Quintus Dias, valeureux centurion romain que le hasard fait partager le destin de cette légion disparue, selon certains historiens - les théories penchent maintenant dans une autre direction - dans les combats entre l'empire romain et les autochnones Pictes qui mèneront à l'édification du mur d'Hadrien.

L'intrigue, très linéaire, développe peu les personnages, mais se concentre sur l'action, essentiellement basée sur des poursuites d'une part, et des combats d'autre part.

Pour les premières, pas de problème, c'est une réussite: les landes et vallons écossais sont là pour apporter l'exotisme, le parfum sauvage, l'aventure qui comblera les plus difficiles. Les costumes, sans être aussi réussis que ceux de The Eagle, sont la cerise sur le gâteau. Des scènes convenues, vues et revues certes - le saut dans le torrent, la nuit dans une grotte... - pas de quoi être épaté, mais efficace.

Pour les seconds - les combats -, on se trouve confronté à un style graphique curieux et outrancier se plaçant entre la volonté de violence réaliste de Gladiator et son application esthétique extrême de 300. Impossible donc de trucider un picte ou un légionnaire sans balancer un baquet de sang - le plus souvent digital - sur le décor, en lui coupant une tête, une jambe ou un bras si possible. Si l'on en croît Marshall, le glaive romain et la hache picte étaient assez affutés pour pouvoir tronçonner à tours de bras les adversaires tous gabarits confondus. Et comme on n'a pas lésiné sur les figurants, attention aux éclaboussures.

Là, le réalisme en prend un petit coup quand même, et ça ne s'arrange pas avec le harnachement des chevaux et autres détails techniques que les pinailleurs apprécieront.

L'élément féminin, malheureusement sous-représenté, est à l'avenant.

Faisant foin de toute vraisemblance, les trois valkyries placées dans le tableau sont certes charmantes mais trop parfaites pour être honnêtes, et donc on-n'y-croît-pas.

Alors bon oui, pour replonger dans une version bibliothèque verte des Trois Mousquetaires, se distraire sans engagement nécessaire, pourquoi pas effectivement: les images sont belles, les acteurs/ actrices aussi. Mais pour retrouver un souffle épique avec des personnages doués d'une consistance qui vous prendra aux tripes, c'est plutôt non.

Note: 10,5/20

Bref mais intense retour au pays pour Ang Lee avec Se, jie [Lust, Caution] - qu'on pourrait traduire en français par "Désir, prudence". Histoire d'espionnage placée au beau milieu de la Chine des années 30/ 40, ses promoteurs ont d'abord mis en avant ses scènes sexuelles très explicites qui lui ont d'ailleurs valu le classement NC-17 aux USA. Mais comme le thème de l'homosexualité pour le précédent film d'Ang Lee (Brokeback Mountain), le film ne se résume pas à ces dix minutes de galipettes (même si l'on avance le chiffre de 100 heures de tournages nécessaires pour ces quelques passages) Non, Se, jie raconte brillamment d'abord le parcours d'une bande de jeunes justes, étudiants idéalistes qui plongent dans une guerre qu'ils croient simple, propre, pour sombrer corps et âme dans la confrontation avec un homme de pouvoir trouble et sans pitié, mais toujours homme. L'amour, calque sublimé de leurs émotions, suit aussi cette épopée pour participer à ce magnifique naufrage. Une oeuvre noire sur l'ambigu et les illusions perdues qui marque une belle étape de plus pour Ang Lee.

Chine, fin des années 40. Alors que les troupes japonaises envahissent peu à peu le pays, certains collaborent avec l'envahisseur, d'autres résistent contre l'occupation.

Wong Chia Chi (Wei Tang), jeune étudiante, entraînée par le pur et séduisant Kuang Yu Min (Leehom Wang), est elle définitivement du côté des derniers, tout comme leur troupe de théâtre.

Avec leurs camarades, ils décident après un spectacle de soutien aux troupes chinoises de passer à l'action et de supprimer Mr. Yee (Tony Leung, toujours aussi excellent), l'un des principaux agents de Wang Jingwei, dirigeant alors le gouvermenent fantoche collaborant avec les japonais.

La troupe se rend donc, sans autre moyen que les leurs à Hong-Kong, où Mr. Yee est retranché dans une villa fortement défendue, et entreprennent de pénétrer ses défenses.

Wong Chia Chi seule semble en mesure de le faire et tente de le séduire sous l'identité de Mrs. Mak, femme de négociant.

Vierge mais confrontée à la possibilité de devoir coucher avec Yee, elle se voit forcée d'acquérir de l'expérience avec l'un de ses camarades, Liang Junsheng (Lawrence Ko), malgré l'attirance réciproque qu'elle ressent pour Kuang Yu Min. Un premier sacrifice pour la cause, une première désillusion pour les idéaux romantiques de tous qui en augure d'autres plus sombres, plus terribles...

La descente aux enfers de Wong Chia Chi est donc le fil suivi par Ang Lee pour décrire cet apprentissage de la vie de la bande de jeunes. Wei Tang, qui incarne avec talent le personnage, joue parfaitement l'adolescente naïve qui passe de sacrifice en renoncement, espionne, actrice, amante, femme fatale à la poursuite d'un objectif dont elle n'est finalement plus certaine qu'il en vaille la peine.

Face à elle, Tony Leung (Hero, Internal Affairs, In the Mood for Love, Une Balle dans la Tête...il aura décidément tourné avec tous les plus grands), l'un des meilleurs acteurs chinois de sa génération, campe parfaitement un personnage cynique et froid qui s'ouvre imperceptiblement, malgré lui, à une passion frénétique. Le jeu, tout en retenue et en équilibre est bien maîtrisé jusque dans les fameuses scènes chaudes, qui rajoutent incontestablement une vraie dimension au film, rendant palpable la fusion progressive et inexorable entre Wong Chia Chi et Mr. Yee.

Fort heureusement, les quelques 2h15 de film restantes regorgent également de scènes marquantes ciselées où chaque acteur à la chance de pouvoir fournir une véritable consistance à son personnage.

Scène de jeu de Mah-Jong avec dialogues à double signification, visite du quartier japonais de Shangaï, explication des états d'âme de Wong Chia Chi vis à vis du responsable de sa cellule... même si Ang Lee fait parfois un peu traîner l'action dramatique au profit de la description des lieux, la finesse du réalisateur fait merveille.

Rien n'est gratuit, que ce soit dans les décors, les personnages - de la star au figurant -, les mimiques, les dialogues.

Le spectateur, transporté dans le Hong-Kong et le Shangaï de la seconde guerre mondiale, est bien avec cette équipe de jeunes activistes en herbe en route pour leur destin. Il partagera avec eux le rêve comme l'amertume, jusqu'au bout.

Merci Ang Lee!

Note: 15,5/20