A la lecture du synopsis - la lutte d'une ballerine pour obtenir et jouer le rôle de sa vie - j'imaginais une sorte de Showgirls, le malheureux flop de Verhoeven, transposé dans le milieu du ballet. C'était sans compter sans Darren Aronofsky, à qui l'on doit déjà notamment l'inoubliable Requiem for a Dream et le plus récent The Wrestler, et sans Natalie Portman, qui réalise là très certainement la meilleure performance d'une carrière pourtant déjà conséquente. Inclassable, prenant, perturbant, pathétique, noir et pourtant libérateur, Black Swan épuisera vos meilleurs qualificatifs.

L'intrigue d'abord: Nina (Natalie Portman) respire, mange, boit, dort, vit pour le ballet, sous le contrôle étouffant de sa mère Erica (Barbara Hershey)

La compagnie dans laquelle elle danse va monter le Lac des Cygnes et cherche son Odile/ Odette, une danseuse qui devra être  capable d'interpréter aussi parfaitement l'innocence et la pureté de la première que la sensualité et la perversité de la seconde. Le directeur de la compagnie, le tyrannique Thomas Leroy (Vincent Cassel), choisit Nina, tout en sachant qu'elle n'est pas prête psychologiquement pour le second rôle, celui d'Odette, le cygne noir.

S'engage alors pour Nina une course contre la montre, contre d'éventuelles rivales toujours à l'affût, contre les doutes de son directeur, contre elle-même, aussi et surtout, pendant que son équilibre mental se détériore peu à peu devant la pression.

Black Swan, présenté par certains comme un thriller, comme un drame psychologique, par d'autres comme un film fantastique - voire d'horreur -, conjugue effectivement ces genres et bien d'autres encore, grâce à la maîtrise complète d'Aronofsky, qui oriente tout vers la préparation d'un final percutant.

Maîtrise dans la technique, déjà admirable dans Requiem for a Dream dont on retrouve l'inspiration ici, qui associera le spectateur aux émotions de Nina dès les premières minutes (abondance de plans serrés par exemple). Qualité indispensable d'ailleurs si on veut jouer avec tant de miroirs que ça dans un film.

Maîtrise du sujet de ce milieu si particulier des ballets, visible dans les détails de la préparation des chaussons de danse comme dans l'organisation des scènes de répétition.

Maîtrise de la direction d'acteur, visible jusque dans les seconds rôles, parmi lesquels -excusez du peu - Wynona Ryder et Mila Kuni.

Maîtrise des effets spéciaux, où le hasard n'aura pas de place, pour organiser la montée progressive des doutes et du déséquilibre de la ballerine jusqu'au dénouement.

Quand celui-ci se déclenche, la spirale suivie par Nina arrache et balaie tout sur son passage pendant les vingt dernières minutes du film dans un maelström d'émotions aussi contradictoires qu'imprévisibles, toujours plus haut, toujours plus fort.

Tout ceci pourrait rester à l'état embryonnaire sans la prestation de Natalie Portman, qui éclipse par sa présence des partenaires pourtant brillants - dont Vincent Cassel, parfait dans son rôle de directeur prêt à tout pour parvenir à ses fins.

Une difficulté que rencontrent les acteurs à ce niveau et à ce degré de notoriété est de parvenir à faire oublier leur passé, les vieux personnages qu'ils ont été et qui polluent l'appréhension du nouveau.

Ici, la question ne se pose pas: Portman disparaît, vive Nina la ballerine!

Oubliés The Other Boleyn Girl, V For Vendetta, My Blueberry Nights pour ne citer que certains de ses "vieux" exploits.

Et n'oublions pas la musique de Tchaïkovski, retravaillée ici par le partenaire habituel d'Aronofsky sur le sujet, Clint Mansell. Celle-ci enlace - au piano de répétition comme à l'orchestre - le spectateur presque sans interruption pour le mettre toujours plus en osmose avec Nina

Sur le fond, les thèmes variés abondent: on pourra relever l'artiste, son ego et sa soif d'absolu, les parents possessifs, le passage à l'âge adulte, les liens directeur artistique-artiste...sans oublier la mise en perspective avec le Lac des Cygnes proprement dit. De quoi alimenter bien des réflexions après tant d'émotions.

Pas de doute, après Black Swan, vous ne verrez et n'écouterez jamais plus le Lac des Cygnes comme avant.

Note: 18/20

 

 

 

Autres films de Darren Anorofsky chroniqués dans ce blog:

The Fountain (2006)

Après Resident Evil, Resident Evil: Apocalypse et Resident Evil: Extinction, vient Resident Evil: Afterlife, un Résident à la sauce 3D, c'est la mode! Toujours à partir du jeu vidéo, toujours avec Milla Jovovich, toujours avec la méchante Umbrella Corporation et ses zombies-monstres à base de virus gore. Et cette fois-ci, certains héros ne meurent pas à la fin. Alors à quand le volume 5?

Evidemment, pour ceux qui auraient suivi le dernier épisode, une suite semblait difficile, pas seulement à cause du sous-titre (Extinction), mais parce qu'à la fin Alice (Milla Jovovich) devenait une super woman à 3000 clones tous bourrés de virus T et donc capable de détruire tous ses ennemis en un clin d'oeil.

Donc ce problème évacué en 5 minutes, tous les clones meurent sauf l'original (ouf!) qui perd la plupart de ses abilités, et on repart sur de bonnes bases pour un nouvel épisode.

Pour résumer l'intrigue principale du film, Alice échoue dans une prison assiégée par des zombies-monstres en compagnie de Claire Redfield (l'Ali Larter de  Heroes, déjà présente dans Extinction) Elles y découvrent quelques survivants qui y végètent depuis un temps indéterminé, parmi lesquels le frère de Claire: Chris (le Wentworth Miller de  Prison Break, pour qui décidément le destin cinématographique semble être la représentation de l'univers carcéral - c'est le gag du film) et d'autres personnages qui serviront bientôt de chair à pâté aux entreprenants mutants de la Corporation.

Les personnages étant trop peu approfondis, on n'a pas vraiment le temps de compatir qu'ils sont déjà découpés en petits morceaux, c'est dommage.

Du point de vue technique, on reste dans la norme du film d'action du moment. Moins de gore quand même que dans les épisodes précédents parce que moins de monstres vus de près.

La 3D, principal intérêt d'Afterlife, est exploitée principalement par l'emploi généralisé de perspectives en profondeur et l'abus de ralentis dans les combats avec armes de tous poils.

C'est bien maîtrisé, joli et assez impressionnant, on retrouve - encore - les effets qui ont fait le succès de Matrix. On a l'occasion d'admirer une fois de plus la plastique de Jovovich et de Larter.

La répétition à outrance des ralentis fini néanmoins par briser le rythme qui caractérisait la série et surtout ne compense pas le manque d'originalité du scénario. Trop de technique tue l'action.

Espérons que l'épisode 5 - qui devrait commencer par un combat homérique s'il se fait, comme les développements de l'histoire semblent le promettre - sera plus travaillé sur ce point.

Note: 10/20

1970, c'est le conflt au Vietnam qui bat son plein aux Etats-Unis, l'hostilité qui y croît et Hollywood qui projette ses visons de la guerre dans des films aussi différents que le classique Patton, la comédie loufoque et noire MASH, ou encore sa rivale Catch-22, qu'on a du mal à ne pas comparer. Une pleiade de vedettes, un réalisateur hors pair - Mike Nichols, à qui l'on doit déjà notamment The Graduate [Le lauréat] et Who's Afraid of Virginia Woolf? [Qui a peur de Virginia Woolf?] - et un ton radicalement différent qui s'attaque au désordre psychologique, à la folie indispensables au déséquilibre mental du combattant moderne.

Une petite île italienne pendant la seconde guerre mondiale, utilisée par les américains comme base pour une de ses escadrilles de bombardiers. Le capitaine Yossarian (Alan Arkin) quitte ses supérieurs après une conversation rendue inaudible par les moteurs des B-25 qui se préparent au décollage.

Un planton en uniforme le suit, sort un couteau et le poignarde avant de fuir, laissant le capitaine au sol.

Alors que les médecins s'affairent pour le sauver, celui-ci revoit, entre délire et souvenirs, les hommes et les évènements qui l'ont conduit sur cette table d'opération. Il y a le colonel Cathcart (Martin Balsam), pourri jusqu'à la moëlle, l'aumonier Tappman (Anthony Perkins), gentil mais impuissant, le lieutenant Milo Minderbinder (Jon Voight), à la tête d'un syndicat ultra-puissant qui transforme cette guerre en entreprise juteuse sans aucun respect pour la vie de ses participants. Ses camarades pilotes (joués entre autres par Art Garfunkel et Martin Sheen), dans l'attente d'un rapatriement. toujours repoussé, voguent entre crises de démence, missions inutiles et permissions qui leur permettent de relâcher la pression, souvent au détriment de la population italienne locale.

Le portrait tiré est sombre mais drôle, et critique vertement l'armée américaine, présentée comme le bras armé d'un capitalisme cupide, amoral et meurtrier. La World Company des Guignols de Canal + une vingtaine d'années plus tôt!

L'unique objectif de Yossarian est de s'échapper de cet enfer avec lequel il ne veut rien avoir à faire. Pour cela il tente de se faire passer pour fou, ce qui ne devrait pas être difficile au milieu de tant de déséquilibrés, voire de psychopathes, mais s'avère malheureusement impossible. En effet, les raisonnements militaires font échouer tout logique qui irait dans ce sens. C'est la signification du Catch-22, qu'on pourrait traduire par truc ou entourloupe-22, règle non écrite et variable équivalente au "supérieur a toujours raison" (au moins en résultat, son enchaînement logique étant plus compliqué à l'origine)

Là où MASH organise une cascade de rire baignant dans un optimisme paradoxal et potache qui installe une distanciation-écran entre le spectateur et la violence de la guerre, Catch-22 plonge ainsi sur  plusieurs épaisseurs et ajoute à la farce délirante une folie plus profonde, résultat de la dichotomie entre les valeurs capitalistes de la société américaine et les préceptes moraux justifiant son action.

Sur le terrain, les moteurs de cette folie sont la peur et la cupidité, et son résultat des sophismes psychologiquement destructeurs produits pour légitimer une obéissance aveugle, seul moyen de valider des actions personnelles en contradiction flagrante avec la morale universelle - on retrouve cette idée dans la double-pensée d'Orwell (dans 1984) par exemple.

A l'écran, le discours, beaucoup plus politique donc que celui porté par MASH, est porté par des images fortes nées des délires de Yossirian, où la parabole se mêle à la réalité et permet de faire passer le message.

Les paysages d'une Italie magnifique mais en ruines et livrée à ses nouveaux occupants, le bourdonnement incessant des bombardiers, la brutalité et le chaos généralisés concrétisent la descente aux enfers du pauvre capitaine.

L'humour reste présent mais se fait grimaçant, amer.

Plus difficile à ingérer que MASH, mais aussi plus radical et plus critique envers les fondements du "système" américain, on comprendra aisément que Catch-22 n'ait pas eu le même succès que son contemporain au box office.

N'hésitez pas néanmoins à le visionner, vous passerez un moment mémorable devant ce film devenu culte.

Note: 15/20

Raconter l'ascension sur le trône d'un monarque peut être passionnant pour peu que les obstacles qu'il franchit soient à la mesure de la récompense. Peut-on le tenter pour le prince Albert, futur George VI d'Angleterre et père de l'actuelle reine Elizabeth? C'est ce que tente d'accomplir Tom Hooper dans son dernier long métrage, The King's Speech.

Il faut bien dire que sa tâche n'était pas gagnée d'avance.

En effet, qui était George VI?

Second fils de George V, il vécut une quarantaine d'années en tant que prince Albert dans les pas de père et de son frère aîné Edouard ,jusqu'au couronnement de ce dernier en tant qu'Edouard VIII. Ce dernier voulant épouser une américaine divorcée, Wallis Simpson, déclencha quelques mois plus tard une crise constitutionnelle qui se dénoua avec son abdication, propulsant bon gré mal gré Albert sur le trône en tant que George VI.

Certes, il sera par la suite le roi qui traverse toute la seconde guerre mondiale à la tête de l'Angleterre sans quitter son sol, comme on le lui avait suggéré, mais on est loin des épopées et des thrillers qui font palpiter. George mourra quelques années plus tard de problèmes pulmonaires sans doute liés à ses mauvaises habitudes de fumeur.

Dit comme ça, pas de quoi en faire un fouin. Et pourtant, David Seidler, écrivain américano-britannique et auteur du scénario de The King's Speech, trouvera l'angle d'attaque en apprenant que le prince Albert souffrait de bégaiement (comme lui-même) avant d'être traité par un certain Lionel Logue.

  D'où l'intrigue du film: le prince Albert (Colin Firth) a d'énormes problèmes d'élocutions à une époque où le principal média est devenu la radio, où la voix de l'empire Britannique est devenue la BBC, où Hitler conquiert l'Allemagne à force de slogans et de discours. Où la parole d'un homme met les peuples en marche. Après avoir couru nombre de spécialistes, sa femme Elizabeth, la future Reine-Mère (Helena Bonham-Carter), le conduit chez Lionel Logue (Geoffrey Rush), un spécialiste aux méthodes peu orthodoxes pour l'époque.

S'instaurent alors des liens peu communs pour l'époque - et probablement aujourd'hui encore - entre un membre de la famille royale, plutôt guindé et rigide, et un homme proche du peuple qui cherche avant tout à soigner son prochain.

Colin Firth incarne à la perfection ce prince bègue peu sûr de lui-même, formaté pour être numéro deux et rester au chaud dans les palais du royaume, et propulsé contre toute attente au sommet par le biais du hasard ou des circonstances, comme on voudra. Un jeu tout en retenue et en subtilité vraiment remarquable.

Geoffrey Rush et Helena Bonham-Carter sont à la hauteur de leurs personnages: le thérapeute génial bon père de famille qui décoince peu à peu son patient, la femme fidèle et attentionnée qui comprend et souffre à la place de son mari.

Tom Hooper, le réalisateur, suscite et accompagne les émotions avec efficacité. On est pris par l'angoisse en regardant les images d'archives d'Hitler avec la famille royale, devant le stade de Wembley immobile qui attend les quelques mots du prince Albert, on rie devant les exercices imposés au patient.

Et pourtant, malgré cette grande qualité technique, j'avoue rester sur ma faim.

Le résultat est attendu, les personnages stéréotypés et lisses. Pas d'aspérité dans leur caractère, pas de surprise devant leurs réactions. Même le prince Edouard (Edouard VIII, joué par Guy Pearce) tend vers la caricature de l'homme qui suit ses pulsions sans prendre garde aux conséquences.

La progression des rapports entre Albert et Lionel entre dans le très traditionnel cliché british du monarque-bon-mais-coincé-sous-son-armure face à son gentil-peuple-impressionné-devant-son-chef-mais-porteur-des-valeurs-authentiques-qui-font-son-pays. Les politiques de tous bords comme les membres de la famille royale forment un bloc d'une clairvoyance étonnante devant la montée des nazis en Allemagne tout le long du film - ce qui est loin de refléter la réalité. La petite Elizabeth (future Elizabeth II) est très polie, fait la révérence, adore son papa et sa maman. L'Angleterre est unie. Tout le monde a gagné à la fin.

Le spectateur se retrouve sous un gigantesque robinet d'eau tiède certes délicieux mais qui va toujours dans le sens du poil, gommant les aspérités, ne remettant rien en cause, n'apportant que des réponses toutes faites et trop consensuelles à des questions qu'il ne fait qu'esquisser.

Trop beau pour être vrai, trop poli pour être honnête, trop fade pour laisser un goût impérissable.

Une belle mécanique néanmoins reposante qui ravira certainement les foules, qui aiment à être caressées.

Note: 13/20

Encore un film basé sur un jeu vidéo! Cette fois-ci, pas de second degré, l'objectif est de tisser une intrigue - qui n'a pas grand'chose à voir avec celle de l'original - qui tienne la route autour des personnages-combattants du jeu vidéo Tekken, le premier jeu Playstation a avoir dépassé le million d'exemplaires vendus, et qui compte à ce jour pas moins de 6 sequels.

Un futur proche. La terre a sombré dans l'anarchie. Seules, quelques corporations imposent un ordre strict et absolu sur leur territoire. Tekken, dirigée par la Maison Mishima, en est la principale, celle d'Amérique du Nord.

Jin Kazuma (Jon Foo) vit de contrebande dans ce monde féroce. Ses profits, il les dépense en payant son ardoise dans son bar préféré, en achetant un peu de café et une orange à sa mère (Tamlyn Tomita) et du chocolat à sa copine Kara (Mircea Monroe)

Son dernier contrat ayant malheureusement attiré l'attention de Tekken, l'ambitieux Kazuya Mishima (Ian Anthony Dale), fils du dirigeant de la corporation, supprime la maman de Jin (qui nourrit visiblement une grande animosité envers la société en question) avec au passage quelques-unes de ses propres troupes de choc, les jackhammers, sortes de ninja avec un costume de kendo et des mitraillettes à visée laser.

Jin s'engage donc dans l'Iron Fist, grand tournoi organisé par Tekken (ouf, on y vient - on notera au passage qu'en japonais Tekken = Iron Fist) dans l'espoir de supprimer le père de Kazuya.

Son premier adversaire, qui lui permet d'accéder au tournoi, est une brute qui veut lui apprendre le "respect". Le combat est difficile.

Heureusement, il a un flash sur les enseignements de sa maman, qui l'a formé au combat.

Il gagne donc et a le droit de participer au tournoi.

Là il rencontre la ravissante Christie Monteiro (Kelly Overton, dont on peine à suivre la limite dans la taille basse de ses collants plan par plan - cf. photo) Il en tombe plus ou moins amoureux. D'autres combattants sont là, dont les soeurs Williams (non, pas celles du tennis, là une blonde et une brune), assassins qui participent à des parties à trois avec Kazuya Mishima quand elles ne portent pas leurs jolis costumes sexy. Le reste est composé de brutes de toutes sortes.

Le combat suivant, contre l'un de ces experts, est très difficile pour Jin.

Dans la rue, devant un écran géant, sa petite amie Kara retient son souffle.

Heureusement, il se souvient d'un enseignement de sa maman et triomphe de son adversaire.

Dans la nuit, les soeurs Williams a demi-masquées(?) et sous stroboscope essaient de tuer Jin dont Kazuya a entre-temps découvert qu'il était le père (il avait violé sa mère quand elle était championne de Tekken) Christie règle le comte de l'une d'entre elle dans son combat suivant.

Round suivant: Jin vs. un samouraï masqué

Un combat très très difficile.

Devant les écrans, Kara retient son souffle.

Heureusement, la maman de Jin lui apparaît en songe pour lui donner conseil et il défait le monstre.

Les méchants deviennent nerveux et commencent à s'éliminer les uns les autres. Le grand-père Mishima est peut-être tué sur ordre de son fils, on ne sait pas, la scène est coupée.

Round suivant: Jin vs. un cyborg

Combat très, très, très difficile.

Devent les écrans, Kara retient son souffle.

Heureusement, Jin a eu une maman qui lui a enseigné plein de choses. Il saute donc du haut d'une colonne sur le géant qui a l'air KO.

On ne s'attarde pas, les méchants sont très très mécontents et Kazuya décide d'affronter Jin dans l'arène, puisqu'il faut tout faire soi-même.

Combat suivant: Jin vs. Kazuya (donc son père, si vous avez bien suivi)

Je ne vous dirai pas tout, sinon que le combat sera méga-difficile, que Kara retient son souffle, et que les deux adversaires ont ici l'opportunité d'une discussion à bâtons rompus dans le style Darth Vador-Luke qui donne toute sa profondeur psychologique au film.

Ca vous rappelle quelque chose? Eh oui, on dirait bien un ersatz de Running Man/ Le Prix du danger.

Si les fans de Tekken (le jeu) seront paraît-il déçus - tous les personnages du jeu n'y sont pas et le scénario en est très différent -, les autres ne devraient pas non plus y trouver beaucoup plus d'intérêt: l'intrigue est truffée d'incohérences, les personnages inconsistants, les trucages et les combats souvent bâclés, le tout coupé à la tronçonneuse, peut-être pour éviter d'être classé comme trop violent, la morale - n'oubliez pas ce que votre maman vous a appris - simpliste.

A éviter donc.

Note: 07/20