Pénétrer dans le quotidien et les tourments d'un ancien criminel passionnel, voilà où nous entraîne Shôhei Imamura dans Unagi (L'anguille ou The Eel pour les anglophones) Palme d'or ex-aequo au festival de Cannes 1997, le film était présenté comme un "sortilège érotique" sur son affiche anglaise. Et pourtant, la dose d'images brutes ou de séquences choc y reste faible en comparaison de nombre de ses contemporains qui n'affichent pas la même prétention. Alors, cette anguille, brûlot érotique à la japonaise qui aura fait long feu?

Yamashita (Kôji Yakusho), employé sans histoire, reçoit une lettre anonyme lui apprenant que son adorable femme le trompe sitôt parti à sa pêche hebdomadaire. Et revenant un soir plus tôt que prévu, il la surprend en plein acte avec son amant. Ni une ni deux, il les poignarde avant de se rendre docilement au commissariat pour avouer le meurtre de son épouse.

Huit ans plus tard, c'est toujours paisiblement, voire placidement, qu'il sort de prison en compagnie d'un étrange animal familier avec lequel il a développé un étrange attachement dans la cour de la prison: une anguille.

Un prêtre bouddhiste chargé de le surveiller pendant ses deux ans de liberté conditionnelle, Keiko (Misa Shimizu), femme qu'il aura sauvé du suicide et qui porte une étrange et troublante ressemblance avec sa défunte femme, un ancien co-détenu qui connaît son passé, des voisins sympathiques mais aux obsessions bizarres, les fantômes du passés, tous vont apporter d'étranges éclairages à sa tentative de réinsertion dans la vie "normale" en compagnie de cet animal hautement symbolique.

Unagi sort après une période de huit ans de silence (difficultés de financement apparemment) d'Imamura après Kuroi Ame [Pluie noire ou Black Rain], film intense s'il en est. Mais comme dans ce dernier, comme dans son Kukushû suru wa ware ni ari [La Vengeance m'appartient] (1979), ce sont les rapports de l'homme avec la société japonaise - moderne - dans toute leur richesse et leur complexité qui sont ici passés au crible à travers l'esquisse du parcours très personnel des personnages.

Shôhei Imamura concentre donc le récit sur de la difficulté de Yamashita, monstre psychopathe officialisé à se réconcilier avec lui-même. Ses huit années de prisonnier modèle confiné sur les rails du bon élève depuis son meurtre, lui ont-ils vraiment fait tourner la page? Est-il vraiment prêt - l'a-t-il jamais été? - à vivre une vie, un amour "normal", à se "réintégrer"?

La personnalité complexe de Yamashita se débat en compagnie de caractères singuliers qui, eux aussi, montrent rapidement des fêlures qu'ils ont peut-être appris à mieux masquer que l'ex-tueur. Une suicidée, un interpelleur d'extra-terrestres, un ancien co-détenu... Les liens se tissent entre tous les inadaptés de ce monde, Imamura y fait fleurir perturbations, fantasmes, assortis d'un humour noir bien personnel: un composé subtil d'émotions.

Le sexe, mis en exergue par le battage marketing du film, et moteur essentiel pour Yamashita, reste intelligemment en sourdine.

Les problèmes personnels façonnent chaque individu et décrivent dans le détail une société modèle bien lisse en apparence, mais composée d'atomes tous en pleine déconfiture, réduits à l'obligation d'un douloureux mal-vivre. Et le singulier attachement à une anguille n'en est pas le moindre des symptômes. Mais une autre solution est-elle possible? Les démons intérieurs peuvent-ils être maîtrisés?

Imamura chante le décalage dans toutes ses tonalités.

Et quoiqu'il en soit, si le salut - le bonheur - reste un objectif très incertain au niveau individuel, souvent cantonné aux rêves de chacun, la machine, elle, ronronne, imperturbable.

Note: 15/20

Catherine Hardwicke, vous connaissez? Avec de la chance, vous vous souvenez de Thirteen (2003), film d'adolescents désaxés assez réussi. Si vous êtes un fan de Twilight (la probabilité en est nettement plus élevée) vous savez sûrement qu'elle a réalisé le premier épisode de la saga des vampires teenagers bien propres sur eux. Eh bien trois ans après cet exploit, elle sort, d'après le conte de Perrault repris par les frères Grimm, un Red Riding Hood [Le chaperon rouge] qui, n'était le chaperon en question, ne déparerait pas la série vampirique à l'eau de rose: de sublimes forêts aux arbres gigantesques (ce sont d'ailleurs les mêmes), un monstre terrorisant une région, des éclairages qui jouent avec les brumes, une petite dose d'effets spéciaux numériques, une rivalité amoureuse entre personnages incolores et inodores... Pas de ralenti, mais c'est lent. Très - lent. Et pourtant Gary Oldman était là...

La jeune Valerie (Amanda Seyfried) vit dans un village au fond d'une forêt avec ses parents, son frère et sa soeur aînée.

Ses habitants vivent depuis des années dans une trêve fragile avec un loup-garou à qui ils laissent un tribu sous forme d'animaux laissés sur la grand-place les nuits de pleine lune.

Mais voilà, un après-midi, le loup égorge la soeur de Valérie alors seule dans un champ, et les villageois criant vengeance montent une expédition pour en finir une bonne fois pour toute.

Sur ce, Solomon (Gary Oldman), sorte d'inquisiteur itinérant, débarque avec une troupe de guerriers surarmés et révèle aux habitants stupéfaits (?) que le loup-garou se cache certainement parmi eux.

Le monstre pourrait être le ténébreux Peter (Shiloh Fernandez), orphelin étranger ami d'enfance pour lequel vibre le coeur de Valérie, ou Henry (Max Irons), le blond forgeron à qui elle a été promise par ses parents, ou qui encore?

Le propos de  la réalisatrice est ambitieux: faire revivre le conte immémoriel dans ses grandes lignes en le développant au goût du jour.
Et pour Catherine Hardwicke, ce jour c'est Twilight, un univers aseptisé calqué sur les références des teenagers américains, et dont le centre est une petite princesse adolescente courtisée par tous, incomprise par les adultes et entretenant avec des monstres des relations qui se veulent ambigües, évocatrices de pulsions sexuelles qui montent qui montent, mais qu'on ne montrera surtout pas - il ne faut pas inquiéter.

Le concept semble correspondre avec le trajet idéalement et psychanalitiquement suivi par notre petit chaperon rouge, à un détail de taille prêt: le loup doit faire peur.

Or, dans ce Red Riding Hood, ce n'est absolument pas le cas. Construite à base d'effets spéciaux propres mais sans plus, la montée des interventions de la bête n'est pas - ou peu - orchestrée.

En effet, Hardwicke a préféré se consacrer aux détails, à la sauce qui enrobe le tout, et l'épicer selon ses goûts favoris. A préféré la cerise sur le gâteau au détriment de ce dernier.

Alors oui, les décors et les images sont techniquement superbes, bien léchés. Les vêtements sont parfaitement cohérents avec l'univers du conte fantastique intemporel.

Quant au fond, il est phagocyté par le style Twilight plaqué sur une ambition démesurée de parcourir tous les genres, toutes les scènes traditionnelles du film pour teenagers.

Des adolescents métrosexuels bien pommadés tentent de procurer une épaisseur à des personnages allant d'une rencontre à l'eau-de-rose à un bal absurde, certains protagonistes apparaissent ou disparaissent sans crier gare, tous ou presque ont l'occasion de montrer qu'il ou elle peut être le loup-garou, mais sans assez s'attarder pour en rendre la théorie plausible...

Mis à part Gary Oldman, seul à imprimer la pellicule en maîtrisant son personnage, les acteurs pataugent à qui mieux mieux pour tenter de donner un sens à leurs actions.

Slasher aux dents limées, film d'amour sans sentiment, thriller sans véritable suspense, feu d'artifice sans couleur, ce pauvre chaperon est de ces films d'où l'on sort en se disant que c'était bien joli, mais qu'on ne se souvient pas vraiment de quoi ça parlait.

Note: 07/20

Mettre deux univers totalement décalés l'un par rapport à l'autre en présence: recette simple et facile pour les mettre tous deux en valeur, en exploiter les particularismes et mener des personnages au bout de leurs contradictions. Dans Hardcore, Paul Schrader, un des scénaristes les plus en vue du Hollywood des années 70/80 (Yakuza et Taxi Driver entre autres) nous décrit une collision spectaculaire, plongeant un patriarche calviniste, digne représentant des valeurs de l'Amérique profonde, dans les bas-fond de l'industrie du sexe de la côte Ouest. Dans le rôle principal, George C. Scott (Dr. Strangelove...[Docteur Folamour...],  Patton) , qui trouve là un de ses personnages les plus intéressants à développer.

La vie semble un long fleuve tranquille vue de Grand Rapids, Michigan. Aussi la disparition de la jeune Kristen VanDorn (Ilah Davis) à l'occasion d'un rassemblement d'été de jeunes calvinistes sonne-t-elle comme un coup de tonnerre dans sa communauté.

Son père, Jake (George C. Scott), un homme de convictions, va tout tenter pour retrouver sa fille unique. Un détective privé (Peter Boyle) lui montre après une courte enquête Kristen dans un film porno amateur venu de Los Angeles.

Jake, que tout oppose à ce milieu, décide alors de l'infiltrer pour récupérer Kristen, aidé notamment par une jeune femme qu'il y rencontre, Niki (Season Hubley, remarquable)...

Le parcours de Jake se pose dans une première approche en reportage sur le milieu du hardcore des années 70, alors en pleine explosion, et suit, comme on pouvait s'y attendre, son petit bonhomme de chemin à travers ses arcanes les plus divers, donnant l'occasion de scènes émoustillantes ou comiques: tournages, castings, producteurs.

Une fois passées ces présentations, arrive la dimension la plus intéressante du film, développant l'évolution des principaux protagonistes en fonction de leurs interactions.

Le personnage de Jake, a priori un monolithe psycho-rigide, se craquèle d'emblée devant la disparition de sa fille avant de se fissurer complètement en voyant le film dans lequel elle "joue". Sonné, son chemin n'est plus alors qu'une errance pour retrouver ses marques en s'accrochant au peu d'espoir qu'il lui reste. Son monde n'est plus, il apprend et découvre, l'occasion d'une très belle performance de George C. Scott.

A l'inverse, le personnage de Niki, brillamment joué par Season Hubley, découvre en Jake une bouée de sauvetage rêvée pour sortir d'une vie infernale et enfin gagner un havre - ou à tout le moins une porte de sortie - idéal.

Leur rencontre donne lieu à des scènes mémorables, dont une curieuse et fascinante discussion théologique entre le calviniste endurci qui commence à se poser des questions et celle qui se raccroche à une identité plus légère et plus floue de "vénusienne".

Paul Schrader, lui-même issu du même milieu, de la même ville que Jake, a recyclé avec talent son histoire personnelle et façonné des personnages stéréotypés mais convaincants.

Quant au côté éventuellement aguicheur du film, il est aussi bien maîtrisé. Le délicat mais nécessaire équilibre entre en montrer trop ou pas assez qui aurait pu faire verser le tout dans la sexploitation, ou à l'inverse dans le film tendance vigilante style Death Wish [Un justicier dans la ville] est habilement respecté.

Peu ou pas de voyeurisme donc (contrairement à ce que laisse penser la bande-annonce), juste assez pour désamorcer la curiosité du spectateur et illustrer de manière crédible le rude apprentissage de Jake.

Même si on pourra regretter la fin du film, qui tombe à plat, sans doute façonnée pour correspondre aux critères éditoriaux de l'époque, Hardcore garde encore une force psychologique agréablement étayée par les interprétations de ses acteurs et soutenue par beaucoup de scènes mémorables.

Une bonne surprise donc.

Note: 14/20

Saviez-vous que la couleur des balles d'un revolver reflète les émotions du tireur? C'est en tous cas l'une des théories développées dans Rabudo gan [Loved Gun], road-movie de Kensaku Watanabe. Film de yakuzas plus original par la pseudo-mystique poétique qu'il développe et ses cadrages radicaux que par son intrigue proprement dite, il puise ses racines dans les films du genre sans verser dans la violence et l'action débridées auxquelles nous ont habitués d'autres réalisateurs: une teinte inhabituelle dans ce monde de brutes.

Hayamada (Masatochi Nagase), tueur à gages blessé, tente de voler à la pointe de son revolver le scooter de la jeune Miyuki (Aoi Miyazaki, déjà remarquée dans le monumental Eureka), adolescente orpheline en perdition.

Hélas, il s'évanouit avant d'avoir pu fuir, et Miyuki l'emmène à l'hôpital.

Pendant ce temps, le gang à la poursuite d'Hamayada engage deux tueurs pour le retrouver et le supprimer: l'oncle et père adoptif de ce dernier, Maruyama (Ittoku Kishibe), et un jeune inexpérimenté, Taneda (Hirofumi Arai, qu'on aura déjà pu apprécier dans Chi to hone [Blood and bones] et Aoi haru [Blue spring] )

D'un côté le tueur et l'adolescente, de l'autre le vieux tueur et l'apprenti, les deux duos s'engagent dans une aventure qui bouleversera leurs vies à tous.

Le propos n'est pas exceptionnel, les personnages non plus: des stéréotypes maintes fois pris et repris dans les films et autres mangas familiers à l'univers des gangsters japonais.

Non, l'originalité de Loved Gun tient plutôt dans la vision épurée et poétique du monde du tueur à gage et dans le style de la réalisation soignée et très particulière de Kensaku Watanabe.

Dans ces deux domaines, celui-ci développe des visions extrêmes alliant, comme souvent dans les (bons) films asiatiques, symboles et esthétisme.

Exemple de symbole exploité parmi d'autres: la balle d'un revolver prend une couleur correspondant à l'état d'esprit du tireur - jaune pour la peur, noir pour la haine, le rouge est une teinte légendaire dont la clef sera évidemment donnée à la fin du film.

Pour souligner ces images, Kensaku Watanabe multiplie également les cadres originaux, les personnages apparaissent à plusieurs endroits dans la même sens, éventuellement au même moment, le montage n'hésite pas à sauter d'un instant à un autre dans la même scène.

La distance esthétique créée renforce alors la poésie et rend crédible sa concrétisation à l'écran. Les tueurs à gages deviennent samouraïs des temps modernes, avec un code moral parfois déroutant, mais toujours au-dessus des us et coutumes du commun des mortels, une pureté des personnages et de leurs émotions qui traverse toutes les situations et thèmes abordés.

Un résultat final très honorable pour un film de gangster sans prétention.

Note: 13,5/20

L'étrange logique selon laquelle un grand succès des années de notre enfance sera meilleur s'il est repétri et recuit à l'aide des outils du jour semble très largement admise. Et pourtant, dans la série des remakes catastrophiques - l'imagination semblant être passée denrée rare à Hollywood - on avait déjà "gagné" il y a une dizaine d'années la version Tim Burton de Planet of the Apes. Son échec - mérité - ayant probablement été attribué au manque d'innovation de l'intrigue, le choix s'est porté cette fois-ci vers un remise à neuf du moteur avec réécriture complète de la prise du pouvoir par les singes, soutenue par une utilisation massive du numérique pour parfaire la carrosserie, qui en avait aussi bien besoin. Rise of the Planet of the Apes ne décrit donc pas les tribulations de la petite troupe d'astronautes transportée dans un univers parallèle - ou pas - et simiesque, mais bien plutôt la déchéance de la civilisation humaine entraînée par une évolution fulgurante d'animaux de laboratoires. Des moyens énormes, un scénario bourré de clichés, quelques stars du moment en ascension, et donc un énorme succès au box-office qui, il y a fort à parier, ne marquera pas l'histoire du cinéma.

Will Rodman (James Franco - ouf ça y est, son bras a repoussé) est un brillant chercheur en génétique. Sa passion, c'est Alzheimer, terrible maladie dont souffre son père Charles (John Lithgow) et contre laquelle il a élaboré un remède miracle, le 112, qu'il teste sur des singes.

Une démonstration qui tourne mal, et son chef Steven Jacobs (David Oyelowo, le méchant), corporate jusqu'au bout des ongles, décide de faire abattre tous les cobayes. Seul César, chimpanzé nouveau-né non encore répertorié, réchappe du massacre.

Wil le récupère, l'élève et décide d'expérimenter le médicament sur son père, qui va rapidement mieux.

Huit ans plus tard, César est parfaitement intégré à la famille. Il a trouvé une ravissante petite amie (Freida Pinto) à Will, parle le langage des signes, est doux comme un agneau... mais reste un singe.

Après une intervention un peu brutale pour protéger Charles d'un voisin irrascible, il va découvrir un tout autre visage de la société humaine.

La narration colle au style bande dessinée bas de gamme: personnages monolithiques portés par des acteurs très typés, intrigue linéaire sans surprise privilégiant l'émotion immédiate, les messages consensuels et les clichés (non, vous n'échapperez pas au moment E.T.) à une vraisemblance trop encombrante.

Le film était-il prévu pour une durée de deux heures? On se peut en douter tant les raccourcis abondent: passée l'évasion tant attendue des singes, ceux-ci se multiplient comme des petits pains, commencent à parler, disparaissent dans les nuages, restent non-violents au possible... on frise le grotesque, le message reste au ras des pâquerettes.

Les effets numériques sont propres, mais se contentent de remplacer les acteurs du passé en costume encombrant sans vrai plus.

Ah, les bon vieux maquillages! Les exercices de voltige scientifico-intellectuels dans l'espace-temps! Charlton Heston! La SF des années 60-70, au secours!

Note: 08,5/20