Les réseaux de prostitution et plus particulièrement la traite des filles de l'Est font les beaux jours des reportages télévision souvent aguicheurs, un peu moins ceux du cinéma. Sweet Karma, polar-thriller avec des couleurs de reportage, nous vient du Canada pour se placer sur ce terrain avec une histoire de vengeance utilisant de façon ambigüe les atouts de ce milieu sordide (belles filles souvent en déshabillés, violence sourde ou affirmée) pour mieux en dénoncer les vices, à l'instar des bon vieux polars des années 70-80.

Karma, c'est le prénom d'une jeune et belle russe muette (Shera Bechard) qui a perdu sa soeur Anna dans une filière d'immigration de jeunes femmes russes à Toronto dans de mystérieuses conditions. Le réseau en question prétend placer des jeunes femmes de l'Est comme domestiques chez de riches canadiens, mais en fait les condamne à rembourser des "frais" exorbitants en travaillant pour eux comme strip-teaseuses ou/ et prostituées.

La frêle Karma décide donc de remonter l'organisation en supprimant au passage tous les intermédiaires qui ont participé à la mort de sa soeur, et commence un périlleux et sanglant voyage.

Dans son résultat, le terrain sur lequel se place Sweet Karma reste incertain.

Reportage-dénonciation sur les pratiques des mafias de l'Est (et d'ailleurs) et des milieux louches qui y sont liés? Certes, le fonctionnement du réseau y est décrit minutieusement, des appâts déployés pour attirer les jeunes femmes jusqu'à ses différentes conclusions possibles en passant par des portraits variés des différents acteurs. Mais on est loin de la thèse ou du plaidoyer.

Film aguicheur dans la lignée du genre sexploitation soft des années 70-80? Aussi, par son style réaliste, classique et efficace, ses plans américains - on pense souvent aux séries américaines - comme par les multiples scènes et prises de vue déshabillées ou "sex and violence" quelquefois gratuites.

Thriller policier? Egalement, grâce à une construction du scénario qui multiplie les rebondissements de qualités diverses pour monter vers un final qui se veut percutant. Mais les scènes d'action sont souvent simplistes et peu réalistes.

Les talents d'Andrew Thomas Hunt, le réalisateur (dont c'est le premier film) tendent à se perdre en ne choisissant pas - et donc en ne poussant jamais à bout aucune de ces lignes directrices.

Le scénario n'est pas non plus exempt de défauts et comporte des incohérences et imprécisions dans les pourquoi des actions des personnages. Le fil de l'histoire se brise et hésite, à l'image du style  de la réalisation. Pourquoi par exemple se débarrasser du méchant le plus impressionnant vers le milieu du film?

Mentionnons néanmoins l'actrice principale - Shera Bechard, ancienne playmate - dont c'est apparemment le premier long métrage, et qui tient de bout en bout un personnage difficile à incarner de façon crédible. C'est en grande partie grâce à sa prestation que le film ne tombe pas dans le ridicule.

En résumé, un film d'action aguicheur sur un thème contemporain, qui rappellera le standard du thriller des années 80, sans arriver à la hauteur de la moyenne des réalisations actuelles.

Note: 09/20

Un groupe hétéroclite de neuf détenus s'évade d'une prison au Japon, un ensemble d'individus condamnés pour les crimes les plus divers et que rien n'aurait dû réunir hormis le fait de se trouver au même endroit au même moment, dans cette grande cellule collective. De la cavale qui suit ce fait divers imaginaire, Toshiaki Toyoda, réalisateur du fameux Aoi Haru [Blue Spring] crée 9 Souls (neuf âmes en français), suivant le parcours de ce groupe qui se crée pour mieux se déliter, de tous et de chacun de ces individus en recherche, mais de quoi? Un film doux et dur sur l'homme, la culpabilité et la rédemption qui mêle habilement comédie et tragédie, poésie et action dans un voyage picaresque à travers le Japon contemporain.

Dix détenus, tous condamnés à au moins dix ans de prison, la plupart des meurtiers, déjeunent dans une cellule. Brusquement, l'un d'entre eux, devenu fou furieux, révèle aux autres la cachette d'un magot caché avant d'être emmené par les gardiens.

Le soir même, les neuf autres s'évadent pour entamer une cavale vers le trésor de leur ex-camarade. Après avoir volé une camionnette rouge, le groupe entame une virée à travers le Japon, goûtant à leur liberté retrouvée, poursuivis ou à la recherche de leur passé, tandis que la traque policière se resserre lentement autour d'eux.

Toshiaki Toyoda a choisi de présenter dans son groupe de personnages un "échantillon représentatif" des différents stéréotypes des condamnés pour crimes assez graves: meurtriers de tous poils bien sûr, mais aussi un fabriquant de bombes, un roi du porno, un nain roi de l'évasion, un ancien chef de gang juvénile.

Un assemblage de profils hétérogène et assemblé artificiellement certes, mais qui offre au scénariste-réalisateur l'occasion d'aborder le sujet du film à travers neuf prismes bien différents, et d'offrir à chaque fois un dénouement, une leçon apparemment particulière.

Ce sujet, quel est-il?

Bâti sur un synopsis de road-movie classique, 9 Souls est donc l'histoire d'une évasion - ou de neuf évasions. Ou plutôt de neuf tentatives d'évasion. Car même passés les murs et assouvis les premières ivresses de liberté et l'objectif immédiat de la chasse au trésor qui occupent la première partie du film, chacun se retrouve face à sa vraie prison: son passé et ses anciennes victimes. Sa conscience.

Les neuf hommes tentent chacun de se racheter pour un nouveau départ, mais auprès de qui? S'enfuir oui, mais le but n'est-il pas de s'arrêter quelque part?

Les attitudes varient alors en fonction des crimes, des caractères, des attitudes. Des rencontres et des opportunités saisies ou non aussi.

Ici intervient le talent de conteur de Toyoda. Des neufs évadés, monstres objectifs de la société ordinaire, il transmet sur tous les tons un jeu où se mêlent les émotions de toutes natures, un patchwork de sentiments qui ne peut que toucher à tel ou tel moment, accompagné d'une bande originale envoûtante à la guitare.

Rires, comédie, nostalgie, poésie, amour, violence... Un vrai voyage spirituel vers une rédemption que chacun devra tenter de conquérir à sa façon, un vrai film à vivre.

Note: 15/20

Corée, années 80. Une belle jeune femme est retrouvée étranglée dans un champs. Puis une deuxième. Une troisième suit. Sur cinq ans, au total dix femmes seront retrouvées, violentées et tuées de la même manière. Une sombre histoire qui secoua la Corée à l'époque. Prenant le point de vue des détectives chargés de l'enquête, Joon-ho Bong développe dans Memories of Murder une réflexion riche, profonde et pour tout dire passionnante sur la police et la justice dans leurs principes et dans leurs réalisations bien humaines, et donc souvent bien imparfaites.

Confrontés à la découverte d'un premier cadavre, les inspecteurs Park Doo-Man (Kang-ho Song, qu'on aura déjà pu remarquer dans les excellents films de Chan-Wook Park Bakjwi [Thirst, Ceci est mon sang] et Boksuneun naui geot [Sympathy for Mr. Vengeance]) et Cho Yong-koo (Roe-ha Kim) appliquent leur méthode habituelle: rafle des hommes ayant fréquenté la victime et sélection d'un suspect - pour ça, Park a une méthode qu'il estime infaillible, c'est de regarder l'hommes dans les yeux, et alors il sait. Ensuite, ce n'est plus qu'une histoire de le passer à tabac assez longtemps pour qu'il aie retenu des aveux plus ou moins cohérents à signer et réciter devant la justice.

On tape d'abord, on réfléchit après. Ou pas. Méthode qui donne des résultats certains (tous les suspects craquent évidemment avec le temps) mais très aléatoires. A mesure que les bavures se multiplient, l'image de la police ne s'améliore pas dans une population déjà au bord de l'émeute politique.

Au deuxième cadavre, l'inspecteur Seo Tae-Yoon arrive de Seoul avec des idées et des procédures nouvelles pour aider la fine équipe en place, avec laquelle il ne tarde pas à entrer en conflit.

Le groupe renforcé, l'enquête se développe bon gré mal gré, les policiers progressent, les indices sur la personnalité du meurtrier s'accumulent. De nouvelles pistes sont suivies, mais l'assassin demeure insaisissable et des femmes meurent. La frustration et le désespoir des inspecteurs montent dans ce sillage meurtrier tandis que l'obligation d'obtenir des résultats les place - avec le spectateur - sous toujours plus de pression.

Pour réussir Memories of Murder - car ce film est indéniablement une réussite -, Joon-ho Bong suit et humanise tous ses personnages, des principaux aux secondaires, leur donnant le temps d'exister et de se placer sur un plan émotionnel et non purement policier. Grâce à cette étude fine ainsi qu'à la variété des protagonistes, grâce également aux acteurs de talent qui les portent, le registre des émotions transmises dépasse le cadre habituel du film à suspense: on sourit, on rit même parfois, et ce tout en restant dans l'action. Comme dans la vie.

Du coup, nous sommes plongés en pleine osmose avec détectives et victimes dans cette traque incertaine, où chaque nouveau cadavre annoncé - intelligence du scénario - retentit comme un échec supplémentaire, rallonge d'une étape la résolution d'un puzzle de plus en plus inextricable.

Comme les autres grands films de genre, Memories of Murder dépasse ainsi nettement la dimension du policier classique - souvent réduit au jeu du gendarme et du voleur - pour aborder en douceur des thèmes plus profonds: l'évolution des méthodes policières et leur compatibilité avec la démocratie, la logique du maintien de l'ordre, la confrontation avec la nouveauté, les mécanismes de l'erreur judiciaire, la fin et les moyens.

En résumé un des meilleurs films policiers de ces dernières années qui, une fois n'est pas coutume, vous entraînera vers une dernière scène poignante pour un dénouement inattendu. A ne pas manquer donc!

Note: 17/20

Scénario simplet et invraisemblable, acteurs de second ordre, effets spéciaux au hachoir - au propre comme au figuré -, budget réduit, réalisation de style série télé: The Machine Girl se place résolument dans la série B, comme les autres créations de Noboru Iguchi. Une série B pas comme les autres, puisqu'elle a atteint une notoriété que bien des films de grands studios pourraient envier - sans parler des productions françaises, jusqu'à atteindre le stade de, allez, osons-le, film-culte.

Ce succès, The Machine Girl ne le doit donc certainement pas à l'élaboration de son scénario.

Jugez-en plutôt: Ami Hyuga (Minase Yashiro) mène une vie de lycéenne sans histoire avec son jeune frère Yu (Ryôsuke Kawamura), jusqu'à ce que ce dernier se fasse racketter par une bande de camarades menés par le fils d'un chef de gang yakuza-ninjas.

Une rencontre qui tourne mal, et Yu et le copain qui l'accompagnait sont tués. Ami, qui tente de le venger, tombe dans les mains des yakuzas qui lui tranchent le bras. Heureusement (?), les parents du copain mort de Yu vont l'aider à poursuivre sa vengeance en lui montant sur son moignon une mitrailleuse avec lequel elle pourra déchiqueter tous ses ennemis.

Passons sur les nombreux épisodes défiant toute logique, ils font partie du charme et des surprises du film.

Pour jouer cette intrigue toute en finesse où pullulent ninjas en survêtements rouges à bandes blanches, shurikens saucissonneurs, sushis au doigt et geysers de sang par tonneaux entiers, Noboru Iguchi a choisi des acteurs à la hauteur: principalement des actrices de porno soft à la japonaise et des acteurs dont il y a fort à parier que la plupart ne devraient pas faire une grande carrière.

Les comédiens, tous à peu près du même âge (sauf les membres du gang, plus âgés) se différencient surtout par leurs costumes et autres uniformes, dont bien sûr celui d'Ami. La tenue de collégienne reste un grand excitant au pays du soleil levant.

Les moyens sont faibles, et ça se voit à l'écran. Raccords non réalistes, effets spéciaux souvent ratés ou virant au grotesque (recommandons à ce sujet le bras en beignet-tempura façon bouquet de pissenlits), armes en plastique...

Mais tous ces détails semblent peu importer à Noboru Iguchi, dont l'objectif est visiblement de remplir de la manière la plus farfelue ses rouleaux de pellicules (numériques) de chairs sanguinolentes et de membres amputés, le tout assaisonné d'explosions de toutes tailles et généreusement arrosé de litres d'hémoglobine synthétique.

Et sur ce terrain, impossible de nier son talent. Le gore a trouvé un nouveau maître, la vague grindhouse, Tarentino et ses émules n'ont qu'à bien se tenir, leur mauvais goût fera bientôt l'effet d'une douche tiède face à Iguchi.

Pour ce qui est des influences, The Machine Girl se place dans la lignée des pink movies japonais tendance violente, sans la réflexion qu'on pouvait leur prêter: le discours reste au niveau du divertissement et balance entre premier et second degré.

Les super sentai du type de Bioman et Power Rangers sont également des sources d'inspiration évidentes.

Si Iguchi n'atteint pas l'inventivité, la précision de Miike et ne fignole pas autant, cela viendra peut-être avec le temps, et c'est tout ce qu'on lui souhaite.

Conseillons donc The Machine Girl pour des soirées arrosées entre amis, il y fera à coup sûr de l'effet.

Enfin, dernière remarque: pas besoin de sous-titres, les dialogues n'ont pas d'importance.

Note: 08/20 mais à voir!

S'il y a un spectre qui hante les allemands, c'est bien celui du nazisme. Ah non, on ne les y reprendra plus: le fascisme et ses avatars ne repasseront plus par eux. Ce traumatisme, ils le cultivent, l'entretiennent et le nourrissent pour ne pas retomber dans la gueule de la bête immonde. Die Welle [La Vague] est dans la lignée de ces films à thèse plus ou moins didactiques, plus ou moins moralisateurs et qui donnent plus ou moins à réfléchir.

L'idée vient d'une expérience réelle réalisée non en Allemagne, comme on aurait pu s'y attendre, mais à Palo Alto (Californie) en 1967. Ron Jones, un professeur d'histoire contemporaine, y avait mené une expérience de mise en situation, destinée à démontrer la fragilité du système démocratique quand on en retire l'individualisme.

Créant un mouvement fictif appelé "La Troisième Vague" sur la base du slogan "La force par la discipline, la force par la communauté, la force par l'action, la force par la fierté", il avait réussi à entraîner un nombre impressionnant et toujours croissant d'étudiants dans un mini-système égalitaire où beaucoup étaient plus qu'heureux de dénoncer leurs petits camarades, participer à des manifestations de masse et se saluer avec un geste très proche du salut nazi.

L'expérience s'était terminée au bout de quatre ou cinq jours par la confrontation brutale des étudiants à leur propre naïveté.

L'expérience avait déjà inspiré un téléfilm américain en 1981, duquel avait été tiré un roman - américain également - paraît-il très étudié outre-Rhin.

Dans cette nouvelle version, l'action est donc déplacée dans un lycée en Allemagne de nos jours et encore plus dramatisée que ses premières sources ne l'avaient été, histoire de frapper les esprits.

Les différents types d'élèves sont actualisés et stylisés de manière à représenter les profils psychologiques variés qui succomberont - ou pas pour un petit nombre d'entre eux - à l'attrait de "la Vague", appellation du nouveau mouvement.

Le descendant d'immigrés turcs en voie d'intégration, la bonne élève un peu stressée, la fille un peu baba, le fils à papa qui se la pète, la petite grosse, l'inutile mal dans sa peau, le jeune metteur en scène qui n'arrive pas à contrôler ses acteurs... Tous trouvent un intérêt, une force, une protection dans la naissance de la Vague.

L'élan donné devient raison de vivre pour certains de ces adolescents peu structurés - parce que jeunes, parce que seuls et désoeuvrés, mais aussi, thèse plus intéressante, par laisser-aller généralisé. Trop heureux de se perdre - et donc de se trouver - dans le groupe, les plus faibles psychologiquement, en mal d'identité, trouvent à l'état pur dans la Vague ce qu'ils se procuraient à l'état embryonnaire dans leurs petites bandes de lycée.

Cette nouvelle cohésion les aide dans leurs tâches de groupe, leur permet de se dépasser, leur procure de meilleurs résultats en sport par exemple, retisse leurs relations avec leurs camarades.

Pour certains, cette aventure est un déclic, une révélation dans laquelle ils se lancent à corps perdu.

Le prix à payer, la perte d'une identité propre, de leur individualisme, est peu de chose pour la plupart des lycéens qui n'en ont pas.

Organisateur du mouvement rapidement promu au rang de gourou, le personnage du professeur, Rainer Wenger (Jürgen Vogel), tente de surfer sur cette vague sans se faire déborder.

Mais l'équilibre est précaire, surtout quand on goûte - à son corps défendant au départ, puis avec plus d'ambigüité - à l'ivresse du pouvoir, qui entraîne toujours plus loin.

La thèse sous-jacente, même si ses ficelles sont un peu grosses, démonte les mécanismes qui ont fait le succès du nazisme: ses théories n'ont pas construites à elles seules l'organisation qui a mené à la solution finale. Hitler a organisé un terreau fertile, un système sur lequel il a prospéré en apportant une valeur, en présentant un réel intérêt à ses serviteurs, en exploitant les faiblesses individuelles.

Cette valeur, c'est la constitution d'un groupe, d'un mouvement qui a permis à beaucoup d'atteindre une reconnaissance, de donner un sens, une protection  à des personnes perdues ou en état de crise.

Comme dans Lacombe Lucien, l'adolescent est à la fois la victime et le bénéficiaire idéal de tels groupes car en pleine mutation. Plus il est faible, plus il sera entraîné loin.

Si l'union fait indubitablement la force, la Vague une fois lancée devient une entité déferlante qui ôte toute capacité à la réflexion personnelle, ce qui est confortable, mais mène à de terribles errances.

Même si les traits sont appuyés et les épisodes très dramatisés par rapport à l'expérience réelle et à la première version télévisée - ce qui diminue la crédibilité du message - le piège du film moralisateur est évité: Die Welle est source d'interrogation et ne donne pas de réponses toutes faites au problème.

Y en-a-t-il d'ailleurs?

Note: 13/20