Un homme raconte une histoire dans un salon cossu. Une histoire sordide. L'histoire fait son petit effet sur l'assemblée et se termine.
Un autre salon - le même peut-être. Un autre homme, confortablement installé, raconte la même histoire que l'homme précédent. Le ton est légèrement différent, peut-être moins polissé, difficile à dire.
Mais l'un des deux raconte une histoire qui lui est arrivée, l'autre joue un rôle. A nous de comparer la sincérité, la conviction des deux. tout en goûtant à l'intrigue en question.
Voici la base d'Une sale histoire, court-métrage de Jean Eustache, tentative d'exploration des limites entre réalité et fiction, du rôle du cinéma et de la vérité qu'il peut inventer, re-créer.
Les cinquante minutes du court-métrage sont donc divisées en deux parties.
Dans la première, le narrateur (Michael Lonsdale) raconte devant un auditoire essentiellement féminin son expérience d'apprentissage du voyeurisme dans un café parisien où un trou lui permet de voir le sexe des femmes qui passent aux toilettes. Cette découverte l'entraîne sur des considérations sur la nature de la vie sexuelle masculine et ses difficultés de communication avec les femmes alors que ses interlocuteurs réagissent à ses propos.
Dans la seconde, le narrateur, c'est Jean-Noël Picq. L'histoire en question est en fait de lui. L'aventure du voyeur, c'est la sienne, et la première partie reprenait le texte de cette seconde au mot près.
L'interprétation de Lonsdale est brillante, captivante, presque hypnotique, et pourtant le témoignage, la vérité brute, ce n'est pas lui, c'est l'autre.
Le travail, la performance de l'acteur transcendent la relation des faits pourtant très personnelle et déjà répétée, revécue, ressassée maintes fois par Jean-Noël Picq.
L'essence en est extraite, quelquefois au dépend du sens premier donné par l'auteur, une dose d'incohérence envahit le récit en certains points, mais là aussi les talents de conteur de Lonsdale enrobent ces à-peu-près de mystère et fournissent au récit une coloration magique que l'histoire brute ne possède pas.
La petite leçon sur l'âme humaine - masculine, mais les réactions des femmes qui assistent à la narration sont à la hauteur - est la cerise sur le gâteau qui complète l'exploration.
Note: 15/20
En cette fin des années 60 souffle un vent de révolution dans la jeunesse européenne. La contestation monte, multiforme, à la recherche de nouvelles formes d'expression, touchant toutes les formes d'art. La Pacifista (La pacifiste) s'inscrit dans cette mouvance par son thème comme par son style, radicalement différents de la norme de l'époque, et qui n'ont, il faut l'avouer, pas marqué assez pour ne laisser aujourd'hui qu'un parfum de nostalgie de ces années où, après tout, "ça" n'allait pas si mal. Aux manettes, un réalisateur controversé pour ses positions politiques et considéré par certains comme un génie du cinéma, le hongrois Miklos Jancso, alors émigré en Italie. 
Zombie Strippers! ... Zombie strippers??? Le zombie, créature hideuse et anti-glamour, serait-il un adepte du déshabillage, voire du strip-tease? Et quel en serait l'intérêt? Jay Lee décide de nous faire profiter de ses connaissances - ou de ses intuitions - en la matière avec un film clairement axé sur la parodie et la série B au goût d'un Rodriguez ou d'un Tarantino qui disposerait de beaucoup, beaucoup moins de moyens que les réalisateurs/ producteurs de 
2006: scandale à Washington. Jack Abramoff, un des lobbyistes les plus actifs du petit monde de la politique américaine, est impliqué dans un nombre croissant d'affaires louches qui éclatent au grand jour: escroquerie de tribus indiennes, embrouilles autour de casinos flottants, assassinat lié à la mafia. Les magouilles de tous ordres sortent au grand jour les unes après les autres, éclaboussant politiciens et hommes de pouvoir liés au parti républicain. Une histoire de choix donc pour l'industrie du film, qui sortira en 2010 deux long-métrages sur le sujet: un documentaire, Casino Jack and the United States of Money (d'Alex Gibney) et ce Casino Jack, de George Hickenlooper, avec un rôle de choix pour Kevin Spacey, celui d'Abramoff en personne. Le film se veut re-création de cette période bien agitée de la vie de cet homme d'influence aux mains sales sur un mode combinant humour satyrique et mise en perspective morale du monde politique de la colline du Capitole. 
On en finit même parfois par ne plus distinguer ce qui est légal de ce qui ne l'est pas. 
Il-gon Song est devenu l'un des réalisateurs coréens les plus renommés à l'étranger grâce à une voie plutôt originale de nos jours, celle du court-métrage. Il est ainsi le premier coréen à avoir obtenu un prix à Cannes pour Sopoong [Picnic] en 1999. Loin du style "sex and violence" maintenant bien connu chez nous des enfants terribles du cinéma coréen (Chan-Wook Park, Joon-ho Bong & Co), ses premières réalisations visent moins le marché commercial que celui du cinéma artistique en abordant essentiellement des thèmes personnels et sentimentaux. Son troisième long métrage, Git, ou Feathers in the Wind (en français: Plumes dans le vent), s'inscrit dans cette lignée de films asiatiques profondément romantiques où la première préoccupation n'est pas l'action, mais la rencontre et l'intensité des émotions - souvent cachées - des personnages. 
En ce qui concerne le rythme du film, on pense évidemment au scénario, original pour l'époque, de Groundhog Day [Un jour sans fin]*, dont les ressorts sont extrêmement similaires. La même séquence déclinée avec des variations de plus en plus conséquentes y offrait des opportunités faciles de comique (de répétition) et retendait à chaque fois le suspense. Les effets ici sont les mêmes, et fonctionnent aussi bien côté comédie que côté action. 
Un Hitchcock habilement réjuvéné grâce à de petites touches sur différents personnages. La plus marquante se trouve dans le profil psychologique du docteur Rutledge (Jeffrey Wright, le Felix Leiter de Casino Royal et de Quantum of Solace), le responsable du projet de recherche pour lequel Colter et Goodwin travaillent. Un modèle atypique et très intéressant de méchant égocentrique, frustré et avide de pouvoir, en apparence au service de l'état et donc (?) du bien, mais en fait capable du cynisme le plus implacable quand ça arrange son avancement. 
Kevin Macdonald est écossais et fier de l'être. Il l'avait déjà revendiqué en filigrane dans le très bon 
Les sentiments exaltés sont bien ceux qui faisaient le succès des ouvrages pour adolescents naguère: amitié, aventure, bravoure, honneur, et on n'ira pas au-delà, les personnages en accord avec le style: monolithiques, uni-dimensionnels. Le conflit interne qui pourrait survenir chez un protagoniste - si l'on a la chance d'y croire - est résolu avec d'autant moins d'ambigüité qu'il aura provoqué ces valeurs éducatives fondamentales. 
Le dernier monstre des séries télé, c'est bien sûr la version des années 2000 de Battlestar Galactica, une enfilade de 4 saisons et quelques miniséries qui nous jouèrent un space opéra placé dans un univers futuriste riche en références de toutes sortes, avec - pour une fois - une histoire qui se tenait et se développait sans faiblir. Un début, un milieu, une fin, c'est assez rare et méritoire dans ce milieu pour être signalé. Une fois terminée cette saga, difficile de la prolonger quand on en connaît la fin. Pour ne pas laisser perdre le filon, il était par contre possible de s'attaquer à ses origines. Comment était-on arrivé à cet affrontement humains-robots? Eh bien pas de problème, la prequel Caprica s'est aussitôt, une fois la série-mère terminée, proposée de nous en offrir l'explication. Avec les mêmes créateurs et producteurs exécutifs (Ronald Moore, David Eick et Remi Aubuchon) aux commandes, le tournage se fait au Canada et commence par un pilote qui sera poursuivi par des épisodes d'une quarantaine de minutes chacun. La série sera limitée à une saison, arrêtée pour audience insuffisante. 
Mais Zoé s'était créée avant sa mort un avatar hyper perfectionné dans un monde virtuel qui, sans connaître tous ses secrets, est une parfaite réplique mentale de son original. 
